Greta e le favole vere. Voto **(*). L’autore abruzzese che al suo film d’esordio,  Shooting Silvio, aveva creato un caso mediatico internazionale alla sua uscita nel lontano 2007, ci consegna qui una favola ecologista d’impegno, sincera ma un forse poco incisiva.  

Greta e le favole vere è il nuovo lavoro diretto da Berardo Carboni, un racconto per famiglie che intreccia fantasia, avventura e impegno civile, prodotta da Vision Distribution, Pegasus e Mattia’s Film. Protagonisti del film sono i giovani attori Sara Ciocca e Mattia Garaci, nei ruoli di Greta e Sauro, due bambini che guardano il mondo con occhi limpidi ma determinati. Attraverso la fiaba i due bimbi si interrogano sulla realtà, offrendo al pubblico uno strumento di riflessione sul presente.

Ispirati dalle battaglie ambientaliste di Greta Thunberg, decidono che bisogna agire per il bene dell’ambiente e il rispetto degli animali, e riescono a liberare un cucciolo di orso bianco tenuto prigioniero da due bracconieri – scoperti e braccati si lanceranno in una impresa impossibile, quella di riportarlo al Polo Nord. Da allora prende forma un viaggio che è insieme avventura e un Coming od Age, intessuto di ostacoli, incontri e scelte dove è messa di continuo alla prova il loro coraggio.

Il regista abruzzese, autore della sceneggiatura insieme a Valeria Giasi e Fabio Di Ranno, sceglie dunque la forma della fiaba contemporanea per affrontare il tema complesso della crisi climatica e dell’urgenza di una responsabilità collettiva. L’obiettivo, come ha dichiarato lo stesso Carboni, è quello di “offrire soprattutto ai più giovani uno sguardo sul mondo che possa contribuire alla formazione della loro coscienza”.

In Greta e le favole vere  viene costruito un universo sospeso tra fantasy e realtà, sostenuto da una intensa fotografia luminosa, ma non sempre supportato dalla scenografia che appare meno incisiva, e fatica a definire un’identità estetica davvero riconoscibile. Il ritmo del film è lineare e pensato per un pubblico giovane, mentre la sceneggiatura, a tratti, si disperde nel tentativo di dare spazio ai numerosi personaggi secondari. Pur potendo contare sulla presenza di attori come Raul Bova, Donatella Finocchiaro o Sabrina Impacciatore, questi interpreti rimangono per lo più delineati attraverso archetipi, limitando la complessità emotiva del racconto.

Il film trova, comunque, la sua dimensione più autentica nella dimensione fiabesca, nell’animazione, così come nei momenti in cui l’impegno sociale si intreccia con lo sguardo dell’infanzia. È proprio qui che il racconto acquista maggiore pregnanza narrativa, trasformando il viaggio dei protagonisti in una metafora della presa di coscienza individuale e del delicato passaggio dall’innocenza alla responsabilità.

L’interpretazione della giovane Sara Ciocca è convincente e spontanea, ricca di sfumature, quanto il messaggio che vuole trasmettere al mondo adulto e al pubblico, la sua Greta riesca a incarnare la sensibilità che Greta e le favole vere  vuole trasmettere alle nuove generazione. Si tratta della stessa forza che Greta Thunberg continua a rappresentare attraverso il suo impegno a tutela dell’ambiente e della giustizia climatica.

Presentato (Fuori Concorso) al Giffoni Film Festival (17-25 luglio 2026). 
In sala dal 6 agosto 2026.

Greta e le favole vere – Regia: Berardo Carboni;  sceneggiatura: Berardo Carboni, Valeria Giasi, Fabio Di Ranno; fotografia: Sandro Chessa, Tani Canevari; montaggio: Benni Atria, Marco Spoletini, AMC; musica: Alessio Bonomo; scenografia: Maria Teresa Padula; interpreti: Sara Ciocca, Mattia Garaci, Raul Bova, Donatella Finocchiaro, Sabrina Impacciatore, Darko Peric, Federico Cesari, Demetra Bellina, Federico Rosati; produzione: Martha Capello, Ilaria Dello Iacono per Pegasus, Rai Cinema, Mattia’s Film, QMI, Vision Distribution, con il contributo del Ministero della Cultura, con il sostegno di Regione Lazio; origine: Italia, 2026; durata: 93 minuti; distribuzione: Vision Distribution.

Ritratti di cinema di Paolo Civati

Ritratti di Cinema è una tavola rotonda immaginaria, in cui nove grandi registi  (Jane Campion, Tim Burton, Ruben Östlund, Asghar Farhadi, Pablo Larraín, Damien  Chazelle, Paul Schrader, Peter Greenaway e Martin Scorsese) si confrontano sul senso del Cinema e  sui meccanismi che hanno reso il loro linguaggio inconfondibile.
Un modo per parlare di cinema senza analizzare i film, senza affrontarne i tecnicismi. Ritratti di Cinema di Paolo Civati vuole essere un viaggio all’interno dei temi profondi che si ritrovano nella cinematografia di questi nove grandi autori, un modo per risalire alle radici profonde della creatività. Il documentario è stato presentato al Festival di Torino 2025 nella sezione Zibaldone.

Domanda: Paolo Civati, teatro, recitazione, regia. Dal documentario Castro (2016) a questo Ritratti di Cinema. C’è un filo conduttore che collega la tua ricerca della verità attraverso le varie forme di arte?
Risposta: Il mio percorso artistico e quello umano procedono, inevitabilmente, di pari passo. Per molto tempo ho creduto che la recitazione fosse il mio canale comunicativo principale: amavo il gioco di calarmi nei panni altrui. È stato un ambiente difficile e competitivo, ma ho avuto la fortuna di incontrare registi illuminati che mi hanno rivelato potenzialità espressive capaci di catturare totalmente la mia attenzione.
La scrittura, però, è sempre stata una costante. Oggi, lavorare con gli attori è per me una gioia immensa: è l’evoluzione naturale di chi ha suonato a lungo in un’orchestra e ora desidera dirigerla. Conosco profondamente gli attori; ne comprendo la straordinaria sensibilità, ma anche le fragilità, le sfumature infantili o le insicurezze. Tutto questo fa parte della loro natura espressiva. L’attore si fa corpo, voce e linguaggio a servizio di un testo, sia a teatro che sul set.
Se il teatro è il linguaggio che ho abitato e frequentato più a lungo come autore e regista, il cinema è oggi lo spazio che mi permette di esprimere al meglio la mia visione. Essere un autore è il mio modo di dialogare con le persone. Tutte le tappe del mio percorso non sono microcosmi isolati, ma strade necessarie che convergono verso un’unica urgenza: consolidare il mio linguaggio per dare forma a ciò che considero autentico e che desidero profondamente condividere con il pubblico.

Come nasce l’idea di realizzare Ritratti di Cinema.  Dall’ispirazione alla realizzazione del documentario con 9 registi d’eccellenza.
L’ispirazione iniziale è legata al lavoro fotografico di Riccardo Ghilardi all’interno della Mole Antonelliana. L’idea era catturare il transito di queste grandi icone a Torino, ma la vera sfida da regista è iniziata quando abbiamo dovuto dare una forma cinematografica all’imprevisto. Non avevamo una lista chiusa, non sapevamo chi sarebbe arrivato.
L’incontro ravvicinato prima con Farhadi e poi con Larraín ci ha indicato la strada: dovevamo mettere al centro la mente dell’autore. Il documentario si è costruito da solo, un pezzo alla volta, nell’arco di un anno e mezzo. Questa dilatazione temporale, che all’inizio poteva sembrare un limite produttivo, è diventata la nostra più grande risorsa, permettendoci di tessere un filo invisibile tra mondi distanti – da Martin Scorsese a Tim Burton, fino a Damien Chazelle – uniti dallo stesso viscerale bisogno di creare.

Contatti con i registi e location delle interviste, il dietro le quinte prima della realizzazione di Ritratti di Cinema.
Con l’Autrice della fotografia, Valentina Summa, abbiamo progettato un dispositivo visivo ben preciso: un set intimo, lineare e rigorosamente ripetibile nel tempo, quasi sempre allestito nelle sale dell’hotel che ospitava i registi a Torino. La scelta metodologica fondamentale è stata quella di non incontrarli prima del ciak. Volevamo che il primo contatto visivo ed emotivo avvenisse direttamente davanti all’obiettivo, preservando la purezza dell’incontro.
Sapevamo che questi maestri avevano agende blindate e serratissime; noi eravamo solo una delle tante tappe della loro giornata. Eppure, varcata la soglia del set di Ritratti di cinema, venivano immediatamente proiettati in un’atmosfera confidenziale, puramente cinematografica. Accendevamo le macchine da presa prima del loro ingresso: in questo modo abbiamo catturato i loro gesti più spontanei e i dettagli del loro arrivo. Il risultato è stato sorprendente: pur mantenendo lo stesso identico impianto visivo, ogni regista ha ridefinito lo spazio con la propria energia e il proprio personalissimo universo.

Come sei riuscito a mettere a proprio agio, poi a nudo, e a svelare il lato semplice e umano di registi con personalità abituate a interviste e allo star system.
ll segreto è stato demistificare il loro status di icone attraverso un paradosso: la normalizzazione. Ho chiesto a tutta la troupe di non mostrarsi intimorita e, nei primi istanti del loro arrivo, di accoglierli quasi con routine, senza l’ansia tipica dello star system. Questo ha abbassato immediatamente le tensioni di entrambi. Una volta seduti, ho voluto che parlassero rigorosamente nella loro lingua madre. Sul set si creava una bolla esclusiva. Sedevo a filo macchina, guardandoli dritti negli occhi. È stato un esercizio di ascolto puro e viscerale, slegato dal significato letterale delle parole; percepivo le loro intenzioni anche attraverso i suoni del farsi o dello svedese. Non ho usato un canovaccio di domande, ma stimoli invisibili, suggestioni estratte dal loro stesso cinema. Non volevo risposte preconfezionate. Rinunciando alla traduzione in tempo reale, mi sono affidato completamente all’istinto e alla stima per il loro genio. Sentendosi ascoltati non come monumenti, ma come esseri umani, si sono aperti spontaneamente.

 Riflessioni sull’arte, Dio, la caducità della vita. Il ruolo della regia nella rappresentazione di una realtà ricostruita che si vuole imporre più solida dell’esistenza vera che svanisce nella memoria di noi esseri umani. Cosa ti ha stupito nelle risposte che ti sono state date.
Ciò che mi ha folgorato è stato constatare come non esista alcuna separazione tra l’uomo e l’opera. C’è una sovrapposizione totale, quasi simbiotica, tra la sensibilità di questi grandi autori e i mondi che mettono in scena. Le loro personalità sono viscerali e potenti tanto quanto i loro film: non è un caso se sono riusciti a codificare un linguaggio universale capace di parlare a tutto il pianeta.
Rispetto alla suggestione della realtà che svanisce nella memoria, ho capito che ognuno di loro risponde a questa caducità rifugiandosi nel proprio modo di immaginare. Ma la vera sorpresa è stata scoprire che dietro questa forza espressiva monumentale si nascondono fragilità e timidezze spiazzanti. Vedere un gigante come Tim Burton rivelarsi un uomo profondamente timido e delicato è stato fantastico. Ti accorgi che la regia, per loro, non è un esercizio di potere sulla realtà, ma una corazza e un atto di pura vulnerabilità per proteggere ciò che il tempo distrugge.

Nove registi con una forte impronta personale, in cosa sono simili? Esiste un’anima artistica universale che unisce personalità con una sensibilità estetica così spiccata e una visione profonda della vita, degli esseri umani, del mondo e della quotidianità?
Sono simili proprio nella radice delle loro differenze. Ciascuno possiede uno sguardo denso, unico e rigoroso, ma ciò che li unisce davvero è l’assoluta assenza di paura nei confronti delle proprie idee. Le affermano con gioia, senza alcuna ostinazione o arroganza, ma con la straordinaria sicurezza di chi ha elaborato un pensiero complesso, un pensiero capace di reggere e argomentare la propria visione in qualunque situazione. Compreso il nostro set.
Il vero nucleo universale che li connette, a mio avviso, è l’urgenza pura di comunicare. Persino una personalità granitica e inflessibile nelle sue posizioni estetiche come quella di Peter Greenaway ha manifestato, davanti alla nostra macchina da presa, il bisogno primordiale di trasmettere qualcosa attraverso le immagini e, soprattutto, il piacere profondo nel farlo. Questa è la loro vera similitudine: il cinema inteso non come mestiere, ma come necessità vitale.

Il cinema racconta più le virtù o le debolezze?
Racconta le debolezze, perché sono l’unico mezzo per portare alla luce le virtù più preziose e recondite dell’essere umano. I conflitti più profondi, tradotti dal cinema in immagini e azione, svelano la fragilità insita persino nell’individuo più respingente. Ed è lì che scatta il miracolo: finiamo inevitabilmente per empatizzare con lui perché, per paradosso, anche le nefandezze più oscure ci ricordano noi stessi.
Il cinema ha il dono straordinario di non farci sentire soli, di farci sentire compresi, anche quando i protagonisti compiono viaggi lontanissimi dalla nostra quotidianità. Tutto ciò che è umano — virtù o debolezza che sia — ci appartiene profondamente. Davanti allo schermo non possiamo fare a meno di riconoscerci, provando vergogna e rassicurazione allo stesso tempo. È un processo puramente catartico: se vedo il protagonista vivere e soffrire un sentimento di cui io stesso mi vergogno, quel peso che mi porto dentro, improvvisamente, evapora.

La raffinatezza del cinema rappresentata attraverso registi di questo calibro è uno stimolo per l’arte di rigenerarsi a sua volta?
Il cinema è un’arte giovanissima: non ha alle spalle i millenni della letteratura, del teatro o della musica. Eppure possiede un potere unico, quello di fermare il tempo. Anche nelle sue espressioni meno riuscite, il cinema resta: è una testimonianza indelebile del periodo storico e dell’umanità che lo ha generato. In questo senso, è sempre un documento, anche quando la narrazione è puramente artefatta. Questa immensa “banca della memoria” che la settima arte sta costruendo è, per sua natura, uno strumento perpetuo di ispirazione ed evoluzione.
Oggi, tuttavia, stiamo vivendo una saturazione senza precedenti: le immagini hanno preso il sopravvento sulla nostra quotidianità, prodotte e consumate da chiunque, a prescindere dalla qualità. Questo bombardamento visivo rischia di far sfumare l’opera cinematografica nel grande calderone dell’intrattenimento usa e getta. La sfida contemporanea è enorme, perché il cinema non ha più il monopolio del racconto per immagini e le sale, purtroppo, soffrono la perdita di pubblico. Ma sono convinto che questa sia solo una profonda fase di transizione, una mutazione genetica. Il vero grande cinema non si rigenera per moda, ma per necessità, e continuerà a farlo reinventando le sue forme.

Ritratti di cinema è realizzato in un bianco e nero elegante, ha un montaggio che lo rende dinamico, a tratti ironico, sempre con un ritmo che valorizza i contenuti. Grande attenzione all’estetica. Raccontaci alcuni dettagli sull’ideazione e la realizzazione.
La scelta del bianco e nero, condivisa sin da subito con l’autrice della fotografia, nasce dal desiderio di evocare la tradizione iconica del grande ritratto fotografico. Abbiamo voluto giocare per contrasti: la purezza di questa scelta estetica dialoga con le schegge di colore del pre-cinema, con i frammenti delle pellicole restaurate dell’Archivio Nazionale del Cinema e con i passaggi di stagione di Torino.
La vera sfida era strutturare un film come Ritratti di cinema che, per sua natura, vive di una costante staticità. C’era poco margine d’azione, e proprio per questo ogni minimo dettaglio andava valorizzato al massimo attraverso un’estetica rigorosa. Fondamentale è stato il confronto con Andrea Maguolo e Fabio Ricci, i montatori con cui collaboro da tempo. Tra noi c’è un feeling profondo che ci spinge a lavorare sempre sui contrasti ritmici: abbiamo destrutturato la staticità delle interviste per restituire un racconto dinamico, a tratti ironico, capace di dare respiro e fluidità alle parole dei registi.

Come hanno vissuto i registi la scelta di non doversi esporre personalmente attraverso la propria cinematografia? Solo rivelare le origini della loro volontà di fare cinema.
I registi di Ritratti di cinema hanno accolto questa deviazione dai soliti binari promozionali con assoluta generosità, ognuno secondo la propria natura. Damien Chazelle ha vissuto l’intervista quasi come una seduta di terapia: era completamente assorbito dalle sue stesse risposte, con lo sguardo fisso a terra alla ricerca del pensiero più sincero. All’opposto, Jane Campion e Ruben Östlund si sono dimostrati straordinariamente a loro agio: si sono messi in gioco senza paracadute, liberi e divertiti.
Peter Greenaway, invece, ha avuto un approccio oppositivo: sentiva strette persino le maglie larghe delle mie suggestioni aperte e ha voluto marcare il territorio fin da subito, senza mai guardarmi negli occhi. È stato un confronto difficile, ma in fondo lui è il “villain” perfetto del nostro racconto.
E poi Martin Scorsese è stato poetico e centratissimo dal primo istante, mentre Pablo Larraín si è rivelato denso, pastoso, sanguigno e profondamente latino — un’energia che noi italiani sentiamo molto vicina. Asghar Farhadi si è offerto come un poeta delicato, in ascolto, libero e capace di regalare metafore meravigliose. Infine, Paul Schrader ha mostrato la totale assenza di filtri di chi ha raggiunto un’età in cui non servono più maschere o barriere: ha giocato con l’aria di chi non ha nulla da perdere, proprio come Tim Burton, che si è rivelato identico ai suoi delicatissimi mostri. Spogliati della loro cinematografia, sono rimasti gli uomini e le loro ossessioni

Qualcosa che ancora non è stato raccontato. Aneddoti che non troviamo nel tuo Ritratti di cinema?
Se devo pensare a immagini che non sono nel documentario, mi viene in mente il primo istante in cui ho visto Tim Burton. Eravamo nella sala del Museo del Cinema a Torino la sera prima dell’inaugurazione della sua grande mostra. C’erano pochissime persone, forse otto in tutto. Io non mi sono presentato, mi sono limitato a osservare: lui spostava personalmente alcune grandi sculture dei suoi personaggi, circondato da assistenti che sembravano creature uscite direttamente dal suo immaginario. È stato un momento totalmente onirico.
L’altro frammento indelebile è legato a Martin Scorsese. Mentre lo ascoltavo e lui mi guardava dritto negli occhi, ho vissuto una vera e propria dissociazione: mi sono visto da fuori e, con un candore quasi infantile, mi sono chiesto: “Ma cosa ci fai qui? Perché Martin Scorsese sta parlando proprio con te?”. Ecco, a quella domanda non ho ancora trovato una risposta.

Sono in progetto altre tavole rotonde immaginarie come Ritratti di Cinema?
Attualmente no. Questo progetto, così prezioso e inaspettato, non è nato per essere un format ripetibile. Certo, sarebbe affascinante declinare questo stesso approccio con gli attori o con i direttori della fotografia, ma la verità è che tutta questa esperienza e questi incontri straordinari hanno provocato in me un effetto preciso: hanno alimentato l’urgenza di concentrarmi sul mio cinema e sul desiderio profondo di continuare a esplorare questa indomabile arte.

Su RayPlay

Ritratti di Cinema – Regia e sceneggiatura: Paolo Civati; fotografia: Valentina Summa; montaggio: Andrea Maguolo, Fabio Ricci; suono: Carlo Alberto Novaria; protagonisti: Ashgar Farhadi, Pablo Larrain, Tim Burton, Damien Chazelle, Paul Schrader, Peter Greenaway, Jane Champion, Ruben Ostlund, Martin Scorsese, Terry Notary; produzione: Wonder Project, Rai Cinema; origine: Italia 2025; durata: 73 minuti; distribuzione: RayPlay

L’oratore è la nuova opera del regista e scrittore veronese Marco Pollini, tratta dall’omonimo romanzo dell’autore stesso pubblicato nel 2021 per la casa editrice Santelli. Produttore musicale e regista di videoclip, Pollini ha esordito al cinema nel 2015 con il lungometraggio Le badanti.
Sempre prodotto da Ahora Film, L’oratore racconta la storia di Felice (Manuel Nucera), un ragazzo calabrese di vent’anni che abita in un quartiere popolare e che ama la musica. Con i soldi presi in prestito da uno strozzino compra un pianoforte a coda (chiamato Barto, in memoria di Bartolomei Cristofori), e si esibisce nelle piazze per passanti e turisti con l’aiuto di Noemi (Sofia Fici), una ragazza conosciuta nella biblioteca. Ma dopo una lite, un gruppo di ragazzi del quartiere distrugge il pianoforte, e Felice, senza soldi per pagare il debito, si ritrova inseguito dagli strozzini. È così che per fuggire giunge per caso all’interno di una chiesa e improvvisa un discorso per un defunto che non ha mai conosciuto davanti a tutti i parenti. Le parole sgorgano spontanee, commoventi ed emozionanti e Felice diventerà “l’oratore”: il ragazzo dei funerali.
Presentato all’European Film Market di Berlino nel 2026, il film viene descritto dalla produttrice Evelyn Bruges come il tentativo di offrire un esempio per tutti coloro che, pur appartenendo a classi sociali disagiate, ambiscono a uscire dal degrado, con tenacia e grinta, attraverso la passione e l’arte. Il romanzo di Pollini  è stato definito non a caso “l’anti-Gomorra” per la volontà di passare attraverso l’esempio positivo alla possibilità di un riscatto sociale.

Prodotto con il sostegno della Calabria Film Commission, le scene sono state girate tra borghi e città calabresi: Cosenza, Lamezia Terme, Badolato e Soverato sono parte centrale della narrazione e del racconto. Il territorio diventa un vero e proprio coprotagonista accanto a un Manuel Nucera che, con la sua naturalezza, lontana dagli stereotipi dei giovani attori di serie tv e film adolescenziali, ricorda più un Filippo Scotti di È stata la mano di Dio o Le città di pianura.
I luoghi del meridione, dove il tempo sembra essersi fermato, sono quelli attraverso cui ci conduce il protagonista, tra i palazzi scrostati, in sella alla sua bicicletta, tra le vie illuminate da una luce calda e bianca, e la polvere sulle strade sembra amplificare la luminosità della fotografia, in una Calabria che mantiene salda la sua tradizione e il suo immobilismo. Quella di Felice è la storia di molti ragazzi che inseguono un sogno di riscatto, crescono con la forza vitale proprio come quelle erbacce tra le crepe del cemento dei luoghi dove sono nati, e ambiscono ad uscire dalla mediocrità. Ma le famiglie alle loro spalle, culturalmente deboli, non offrono un esempio da seguire, imprigionate il più delle volte nell’ignoranza e nella sfiducia quasi genetica verso il futuro. L’unico che aveva creduto nelle doti di Felice era il padre (interpretato da Marcello Fonte, Palma d’oro a Cannes per Dogman): ma anche solo una persona che crede nella capacità artistica può aprire un varco attraverso cui generare creatività e fiducia.
Il regista, forte della sua esperienza nei video musicali, conosce i tempi di ripresa e usa con consapevolezza il mezzo, le immagini sono curate e hanno un giusto ritmo, e il tutto si amalgama quasi fosse un piccolo road movie attraverso cui ci conduce il protagonista. La sceneggiatura però manca di quello scatto nella trasposizione dal romanzo e si rivela a tratti un po’ debole.
Il film, come lo stesso Marco Pollini afferma, è, comunque, un invito a non arrendersi.
E a pensare che attraverso l’arte si può vivere onestamente.

In sala dal 30 aprile 2026.

L’oratore – Regia: Marco Pollini; sceneggiatura: Marco Pollini, Franco Ferrini; fotografia: Massimo Moschin; montaggio: Adinori e Marco Pollini; musica: Federico Crosato; interpreti: Marcello Fonte, Manuel Nucera, Paola Lavini, Giorgio Colangeli, Paola Rubino, Saverio Malara, Pasquale Greco, Sofia Fici, Alessandro Gervasi; produzione: Evelyn Bruges per Ahora! Film; origine: Italia, 2026; durata: 90 minuti; distribuzione: Ahora! Film.

Homebound. Storia di un’amicizia in India è la nuova opera del regista indiano Neeraj Ghaywan, realizzato a dieci anni dal suo film d’esordio Maasan, vincitore dei premi FIPRESCI e Promising Future Award.

Prodotto da Martin Scorsese e presentato al Festival di Cannes 2025 nella sezione “Un Certain Regard”, il film ha ottenuto la candidatura agli Oscar come miglior film straniero per l’India.

Neeraj, considerato tra i più autorevoli registi del suo paese per l’attenzione rivolta alle questioni sociali dell’identità indiana e della divisione in caste, è nato in una comunità emarginata, quella dei Dalit, collocata al livello più basso del sistema indiano. Per anni Neeraj ha finto di appartenere a una casta più elevata e ha convissuto con la paura di essere smascherato. Proprio questa logorante esperienza personale ha plasmato la sensibilità del regista verso le classi umili indiane e verso le storie di vita di individui socialmente deboli, che nonostante tutto lottano, sognano e sperano in un riscatto.

Il film racconta la storia di due amici d’infanzia, Chandan e Shoaib, cresciuti insieme in un villaggio dell’India settentrionale. I due ragazzi inseguono il sogno di un lavoro statale e fanno il concorso per entrare nella polizia. Ottenere quel posto significa guadagnare quella dignità che gli è sempre stata negata. Ma l’ingresso nel mondo adulto e la drammaticità delle situazioni mettono a dura prova la loro esistenza e il legame profondo che li unisce. Il ritmo del film è dilatato, le inquadrature, supportate dall’ottima fotografia di Pratik Shah, sono fisse sui personaggi e i loro dialoghi, e subito siamo trasportati lontani dal nostro stile occidentale, dalla nostra abitudine alla sintesi e alla velocità. Si respirano la pazienza e l’accettazione del tempo che passa e della vita. I colori, il cibo, il terreno tengono i personaggi ancorati alla tradizione, mentre la tecnologia spinge le nuove generazioni verso la modernità.

I ragazzi sono mossi dall’entusiasmo di chi ha fame di voler vivere la propria esistenza, tra le crepe di un dramma sociale che non offre aperture. Il sistema chiuso delle caste impedisce l’emancipazione antropologica di un paese condannato da criticità economiche, che al suo interno ancora marginalizza gruppi di diversa provenienza religiosa. E in questa parabola di miseria e povertà, in una realtà senza via di fuga, gli emarginati diventano semplici numeri e statistiche. Chandan e Shoaib sono in attesa dei risultati del concorso, ma le famiglie hanno bisogno di denaro e del loro aiuto; i due trascorrono le giornate in attesa, tra dubbi e ansie, e momenti di spensieratezza, in moto, a giocare a cricket, o vivendo l’emozione del primo amore. Ma la voglia di vivere, e i sogni della dimensione individuale, sembrano destinati a scontrarsi con una società immobile e immutabile, un riscatto che l’appartenenza castale non potrà concedere.

Attraverso il realismo sociale il regista ci introduce nella vita dei due protagonisti per arrivare, nella parte centrale del racconto, a un punto di svolta collettivo: l’epidemia di COVID-19 piomba sull’India. Il guadagno quotidiano e unica forma di sopravvivenza viene a mancare, tutto chiude, le saracinesche sono abbassate. C’è il lockdown, non c’è più cibo, non c’è supporto. Non c’è autosostentamento. Le persone che prima erano un numero ora diventano parte di una massa di cui nessuno può tenere traccia, anime che possono scomparire nel nulla senza che nessuno se ne accorga.

Neeraj ci racconta i legami tra persone le cui vite sono plasmate da forze fuori dal loro controllo, e il suo sguardo si colloca nella bellezza e nell’autenticità, nei momenti di sospensione del dramma, nella quiete, dove le emozioni sopravvivono, i desideri rivendicano il loro diritto di esistere, e un abbraccio diventa l’essenza e il fondamento del sostegno reciproco.

 In sala dal 26 marzo 2026.

Homebound. Storia di un’amicizia in India (Homebound) – Regia e sceneggiatura: Neeraj Ghaywan; fotografia: Pratik Shah; montaggio: Nitin Baid; interpreti: Ishaan Khatter, Vishal Jethwa, Janhvi Kapoor; produttore esecutivo: Martin Scorsese, Pravin Khairnar; origine: India, 2025; durata: 122 minuti; distribuzione: Wanted Cinema.

La stanza di Mariana è il nuovo film del regista francese Emmanuel Finkiel, autore cresciuto sui set di Godard e Kieslowski, che dopo La Douleur, tratto dal romanzo di Marguerite Duras, porta al cinema il capolavoro letterario di Aharon Appelfeld Fiori nelle Tenebre.

E proprio come per il precedente adattamento letterario Finkiel sceglie Mélanie Thierry per interpretare il ruolo della protagonista, attrice lanciata sul grande schermo da Giuseppe Tornatore nel 1998 con la  La leggenda del pianista sull’oceano.

La produzione pensa in un primo momento di girare il film in Ucraina, nella regione sud-occidentale del paese, per restare fedele al romanzo di Appelfeld, ma la guerra rende il progetto impossibile da realizzare, e le riprese si spostano in Ungheria.

La storia del film ruota attorno a Hugo (Artem Kyryk) un bambino di dodici anni che trascorre oltre un anno nascosto nell’armadio della stanzetta di Mariana, una prostituta che abita all’interno di un bordello durante la seconda guerra mondiale, per sfuggire ai rastrellamenti dei nazisti.

È il 1942: Mariana e Hugo vivono tra le quattro mura costretti a una convivenza forzata, il loro è un legame che lentamente si trasformerà in un rapporto di conforto, di affetto e intimità. La realtà della guerra preme fuori dalle mura della casa, ed è una presenza costante, spaventosa, e può arrivare da un momento all’altro anche in casa, si intravede dalle crepe dei muri. Le stesse crepe da cui Hugo cerca di comprendere la nuova realtà, spiarla e dare un senso al mondo degli adulti. Si vedono i soldati dalla finestra. La stanza di Mariana è circondata da un mondo crudo, doloroso, sporco, che ha il sapore della morte. La violenza arriva anche dentro la stanza di Mariana con gli uomini che entrano per fare sesso con lei, soldati tedeschi per lo più. Hugo, rinchiuso nell’armadio, cerca di osservare da piccole fessure cosa accade, le immagini sono indefinite, il bambino percepisce il sopruso, ma non ne comprende i contorni, accetta quello che accade. I giorni si susseguono, questa nuova vita si divide tra l’armadio in cui è prigioniero e i momenti di libertà nella stanza di Mariana. Hugo rispetta le regole. È un bambino silenzioso e Mariana, per quanto strana, è una donna affettuosa. Un bagno caldo in cui immergersi, del sapone profumato, una stufa vicino a cui riposare, dormire nel letto di Mariana, sono i momenti di gioia che colmano la solitudine di quando è costretto a stare nel buio rinchiuso. Nella mente di Hugo si susseguono i ricordi della sua numerosa famiglia che ora non c’è più. I ricordi sono tutto quello che resta della sua vita, a cui aggrapparsi. La mamma lo ha affidato a Mariana con la speranza di salvarlo dai nazisti. I rastrellamenti hanno distrutto quella che era una famiglia borghese felice, fiera delle proprie tradizioni, una famiglia di farmacisti e lavoratori. Il film di Finkel è girato nelle lingue originali della storia, così da preservare l’autenticità dell’opera originale: l’ucraino e il tedesco parlati dalla borghesia ebraica, e lo yiddish dalla comunità operaia. E questo conferisce al film un valore aggiunto, insieme alla ricerca dei costumi, della scenografia e alla fotografia di Alexis Kavyichine che con colori pastello e luci soffuse mette in risalto i tempi dilatati e la ricerca dei dettagli della regia di Finkiel, in un mondo che viene raccontato per frammenti, attraverso le percezioni, le sensazioni e il punto di vista di due personaggi capaci nel loro microcosmo di sperimentare le miserie e gli orrori della Storia. Quella della stanza di Mariana è la rappresentazione della vita e dell’affetto nonostante tutto. È sopravvivenza, è istinto umano, e l’istinto di un bambino che velocemente inizia a diventare uomo.

In sala il 27-28-29 gennaio 2026.

La stanza di Mariana (La Chambre de Mariana) – Regia e sceneggiatura: Emmanuel Finkiel; soggetto: dal romanzo Fiori nelle tenebre di Aharon Appelfeld; fotografia: Alexis Kavyichine; montaggio: Anne Weil; interpreti: Mélanie Thierry, Artem Kyryk, Julia Goldberg, Yona Rozenkier, Minou Monfared; produzione: Cinéfrance Studios, Curiosa Films, Metro Communications, Sunshine Films, ARTE France Cinéma, Proton Cinema, Tarantula, RTBF, VOO, Be TV, Orange Belgium, Proximus; origine: Francia/Israele/Ungheria/Belgio, 2025; durata: 131 minuti; distribuzione: Movies Inspired.

Bianco e nero sgranato, note ritmate di una base trap, riprese dall’alto di una periferia nebbiosa e uniforme. Siamo a QT8, Milano, Italia. “Un quartiere nato dopo la Seconda guerra mondiale, costruito seguendo un’utopia, ogni classe sociale doveva convivere in un solo luogo: palazzoni popolari per operai e impiegati e villette da villaggio svizzero per commercianti e professionisti. Un melting pot in miniatura, una grande mela di periferia”. Sono le parole fuori campo di Ernia, il rapper famoso che ce l’ha fatta, che in quel quartiere è cresciuto, che ci introduce alla storia come se fosse una favola, ma è una di quelle favole in cui i protagonisti si trovano molto presto a dover fare i conti con una realtà tutt’altro che facile e in cui il lieto fine non è previsto.

Presentata in anteprima a “Alice nella città” (per la sezione Fuori Sala), HYPE è una fiction in otto episodi, coprodotta da Rai Fiction e Fidelio. Ed è la storia di tre ragazzi che sono cresciuti insieme, Luca (Lorenzo Aloi), Anna (Martina Sini) e Marco (Gabriele Careddu), che si apprestano a firmare un contratto con un’importante casa discografica, la Parsifal, dopo aver autoprodotto il video di un brano rap che ha ottenuto migliaia di visualizzazioni e che racconta di loro e della loro gang.

Ma il sogno di sfondare nella musica e di cambiare le proprie vite si scontra da subito con la realtà di un quartiere segnato dalla malavita e dalla criminalità, tra ricatti, minacce e violenza.

E il quartiere, con le sue geometrie squadrate, le linee dure e i colori grigi, gli spazi chiusi tra i palazzoni, è sicuramente uno dei protagonisti indiscussi della storia e uno dei punti di forza della regia di Fabio Mollo e Domenico Croce, che si alternano nella direzione degli episodi.

Elementi fondanti della musica rap, e in particolare della musica trap degli ultimi anni, sono il senso di appartenenza alla propria zona e al proprio blocco, come la fedeltà alla famiglia e alla gang, il quartiere è il simbolo della propria identità ma è anche la prigione da cui evadere, e la musica il mezzo attraverso cui si possono fare quei soldi che servono per vivere una vita migliore e avere un riscatto.

Fabio Mollo (regista che già si era dimostrato avere una particolare sensibilità nel portare sul grande schermo la storia sulla disabilità di Nata per te) e Domenico Croce sono stati bravi nel ricostruire le tensioni di questo immaginario attraverso due punti di vista: quello in bianco e nero del quartiere, con la voce narrante di Ernia, e quello a colori che vuole cogliere lo sguardo di chi lotta al suo interno.

I registi da un lato ricorrono a un’estetica che riecheggia quella dei videoclip storici del genere, dall’altro sembrano volersi collegare direttamente a serie come Shameless e a tutto quel cinema sotterraneo che ha descritto le periferie e le sottoculture, dagli accattoni di Pasolini fino alla banlieue de L’odio di Kassovitz. Ma soprattutto è apprezzabile il lavoro che è stato fatto per guadagnarsi sul campo quella che nel rap si chiama ‘street credibility’. Come ha spiegato Fabio Mollo: “Abbiamo vissuto tutti assieme per due settimane prima di andare sul set, proprio per creare la famiglia di cui poi si parla nella serie e per creare questo rapporto profondo con il quartiere”.

HYPE sembra invece convincere meno nell’intrecciare le vicende ‘crime’ con le vicende private dei personaggi che non nel descrivere il disagio di una generazione che vuole affermare con forza il proprio diritto di esistere e il bisogno di trovare una voce.

Tra famiglie disfunzionali, padri svaniti nel nulla, in prigione o lontani, l’unica forma di salvezza è rappresentata proprio da quella ‘famiglia’ allargata in cui i giovani protagonisti della storia si stringono per resistere alla violenza del mondo: facendo musica, cercando di rimanere se stessi e senza lasciare indietro nessuno.

Dal 31 ottobre 2025 su RaiPlay.

HYPE –  Regia: Fabio Mollo, Domenico Croce; sceneggiatura: Gemma Pistis, Salvatore De Mola, Giulio Lepri, Libero Pastore; fotografia: Michele Brandsetter; montaggio: Federico Mascolini; musica: Ernia, i 2Rari, Stefano Milella; interpreti: Martina Sini, Gabriele Careddu, Lorenzo Aloi, Luka Zunic, Luigi Bruno, Fabio Barone, Dalila De Marco, Arianna Grillo, Leonardo Giuliani, Sabrine Zahid, Noè Batita, e con: Alessandro Tedeschi, Alice Torriani; produzione: Rai Fiction, Fidelio; origine: Italia, 2025; durata: 8 episodi di 25 minuti.

“Perché non sono potuta restare nel paese dove sono nata? Perché qualcuno ha deciso per me? Come un fantasma. Fa rumore. Gridi e il tuo rumore è come silenzio. Nessuno ti sente”.

Massimiliano Battistella, regista romano classe ‘85, ha presentato alle “Notti Veneziane” il suo primo lungometraggio DOM, un documentario che affronta il tema dei bambini segnati dalla violenza della guerra. Protagonista della storia è Mirela, una dei 67 bimbi che nel luglio del 1992 furono trasferiti con un convoglio di autobus della cooperazione internazionale a Rimini e Monza, durante l’assedio di Sarajevo, per offrire un luogo sicuro e sfuggire alle bombe.

Il regista, autore dei cortometraggi Pierrot sui binari (2020) e Samira (2022) selezionati in festival internazionali, e ricco di importanti esperienze sul campo come assistente alla regia, realizza la sua opera mostrando subito una buona sensibilità stilistica e capacità di entrare, con delicatezza ed empatia, tra le trame di vita della protagonista e dei vari personaggi del film, attraverso inquadrature, dettagli, espressioni, silenzi. Togliendo il superfluo nella lavorazione, e lasciando il giusto respiro, il suo obiettivo è quello di arrivare all’essenza dei suoi personaggi e in particolare della sua protagonista. Anche la scelta di utilizzare il formato 4:3 va nella stessa direzione, ossia quella di delineare un quadro psicologico “ravvicinato”, e di dare forma grazie al suono e alla musica a un vero e proprio flusso interiore.

Mirela è una quarantenne bosniaca che vive a Rimini con il compagno e i due figli. Spinta dal desiderio di fare i conti con un passato irrisolto, decide però di tornare a Sarajevo, dove ha vissuto fino all’età di dieci anni all’orfanotrofio Dom Bjelave. E lì ritrova gli amici d’infanzia: Amela, la sua migliore amica, Branko, una figura quasi fraterna, e gli altri. Insieme riscoprono la città e l’istituto, ora ricostruito, che un tempo l’ha accolta. Ma Mirela non è rimasta orfana durante la guerra di Sarajevo, lei era già all’orfanotrofio Dom Bjelave: nata prematura e con gravi lesioni, è stata abbandonata a soli due anni dalla madre. E così il suo viaggio si trasforma ben presto in una ricerca della mamma, e di se stessa, che la conduce al villaggio dove è nata, nella Republika Srpska, per recuperare il suo certificato di nascita. Il suo ritorno intimo a Sarajevo è naturalmente un viaggio simbolico, alla ricerca della propria identità. E in questo viaggio emergono, come frammenti di sogni, i filmati d’archivio della Sarajevo assediata che colmano i vuoti di una memoria spezzata.

“Quando ho incontrato Mirela ho percepito in lei due anime: l’essere madre oggi e l’essere figlia ancora segnata dall’abbandono”: così il regista racconta perché ha scelto di raccontare la storia di Mirela, che durante le riprese è stata supportata dal metodo dello psicodramma applicato e seguita da una figura professionale. E proprio questo rispetto e questa gentilezza fioriscono in DOM e sono esattamente la forza di questo documentario, che accarezza la storia con grande delicatezza, e diventa la voce che si diffonde alle migliaia di storie simili. Affrontando una tematica estremamente attuale in questo periodo storico, il film ci porta al dolore che la nostra coscienza prova leggendo i giornali, ai bambini orfani di Palestina e Ucraina: a quelli feriti, a quelli uccisi, a quelli deportati e a quelli che hanno fame.

Ora Mirela a Rimini ha creato una sua esistenza, ha una sua famiglia con il compagno, ed è una madre amorevole. Eppure, non si può accettare mai l’abbandono. “Un cordone ombelicale che ti unisce a vita e non sai di chi è”.

Mirela non vuole rimpianti, e cerca la madre, ormai anziana, al telefono. Mirela è una donna semplice, è sempre contenuta, le rughe sul suo volto raccontano delle cicatrici della sua anima, gli occhi segnati da un leggero strabismo sono malinconici ma sono occhi che sanno ancora amare.

“Se non vuoi vedermi, non importa ma voglio ringraziarti per avermi messa al mondo. Anche se non è stato facile per me. Tu hai dovuto pagare l’orfanotrofio… Se non te la senti, non voglio disturbarti”.

DOM – Regia: Massimiliano Battistella; sceneggiatura: Massimiliano Battistella, Lisa Pazzaglia; fotografia: Emanuele Pasquet;montaggio: Desideria Rayner, con Giampiero Civico;musica: Nedim Zlatar; interpreti: Mirela Hodo, Kristaq Nina, Denis Nina, Mathias Nina; produzione: Kama Productions;co-produzione: MESS, Method;origine: Italia/ Bosnia ed Erzegovina, 2025; durata: 83 minuti.

“Dove ero quando è morto papà?”
“Dormivi Loris, avevi 4 anni, erano le dieci di sera”.

Presentato nelle Notti Veneziane, Una Cosa vicina di Loris G. Nese è un documentario di creazione con cui il regista ripercorre e cerca di ricostruire la storia del padre, morto prematuramente in un agguato di camorra a Salerno. L’opera nasce dalla voglia di raccontare la confusione che ha caratterizzato una vita trascorsa tra dubbi, omissioni e rimozioni del proprio passato, alla ricerca di una verità più complessa, fuori dalla retorica e dalla narrazione dominante.
“Tupac e mio padre sono morti lo stesso anno. Per questo tutti conoscevano la mia storia”
Il trentaquattrenne regista salernitano, già premiato al Festival di Locarno con il cortometraggio Z.O. (2023), porta al Lido il suo primo lungometraggio: un puzzle stilistico-narrativo che alterna il B/N, voce del presente, ai filmati di famiglia in VHS, frame in stop-motion, immagini di repertorio e animazione, nel tentativo di dare forma al luogo dei propri incubi, fantasmi e paure.
Il film è diviso in cinque capitoli e un epilogo, quanto basta a Loris G. Nese per tentare di chiudere il cerchio della sua storia e quella di un padre che non può ricordare, ma da cui ha ereditato la vita. Il figlio si rifiuta di identificare il padre (solo) come un camorrista: ha bisogno di sapere che tipo d’uomo era, se amava la famiglia e la moglie, se era stato felice, se aveva sofferto.
“La cosa difficile di fare un film è capire quando staccare, soprattutto se il protagonista sei tu, un altro problema è che devi sapere tutto dei personaggi, da dove vengono, cosa vogliono, e soprattutto perché, e io non sapevo quasi niente”, con queste parole il regista ci introduce, con una sequenza di immagini, nei luoghi della sua infanzia, quella Salerno degli anni ‘90 divisa tra la Città vecchia e la Zona orientale dove operavano le organizzazioni criminali, famiglie in lotta tra loro. E poi nella casa dove abitava da bambino con i genitori, un appartamento come tanti, ma arredato con mobili sfarzosi decorati in oro, un mobilio che doveva ostentare il potere di chi lo aveva acquistato.

Loris arriva a quattordici anni senza sapere quasi nulla del padre e della storia della sua famiglia.
“Ti aveva tenuto all’oscuro di tutto?” gli domanda l’amico nell’intervista.
“Era un modo per estraniarti?”.
Loris è alla ricerca di risposte, mostra nel film il materiale che ha: foto e vecchi filmini di famiglia, il matrimonio dei genitori. La mamma racconta dei loro viaggi: Florida, Miami, Orlando, Disney World, Montecarlo.
E poi viene ucciso Giuseppe, il fratello di suo padre.
“Com’è stato?”
“Non aveva il coraggio di dirmelo”.

E da lì le cose iniziano a cambiare.
Attraverso le interviste alla madre, a parenti e ad amici, girate in un elegante bianco e nero, il regista cerca quegli elementi che possano aggiungere ai fatti giudiziari tasselli utili per ricostruire la storia della sua famiglia e dare un senso alla sua vita, scavando tra le trame dell’omertà, scoprendo l’amore profondo che ha legato i genitori, e il pericoloso rapporto con lo zio, detenuto nel carcere di Milano. Cosa sapeva davvero la madre e cosa invece ha nascosto cercando di tutelare il figlio negli anni? La verità e i vari pezzi della storia sono difficili da ricomporre, legati a racconti e a una memoria i cui contorni il passare del tempo ha reso sempre meno nitidi.
Ma quella del regista non è solo un’indagine sui fatti dettata dalla necessità di sapere: il film è un atto di amore di un figlio verso il padre, un modo di farlo rivivere attraverso il mezzo cinematografico, un omaggio che nessuna esecuzione potrà cancellare.

Una cosa vicina – Regia, sceneggiatura e fotografia: Loris G. Nese; montaggio: Chiara Marotta; musica: Raffaele Caputo; interpreti: Francesco Di Leva, Mario Di Leva; produzione: Lapazio Film, con Rai Cinema; origine: Italia, 2025; durata: 90 minuti; distribuzione: Lapazio Film.

Presentato in anteprima alla scorsa 77ª edizione del Festival di Locarno, Le Déluge – Gli ultimi giorni di Maria Antonietta è il secondo lungometraggio del regista partenopeo Gianluca Jodice, che torna sul grande schermo dopo il film d’esordio Il cattivo poeta del 2020 e il documentario Cercando la grande bellezza, una riflessione sul cinema di Paolo Sorrentino. Prodotto tra gli altri dallo stesso Sorrentino e Matteo Rovere, Le Déluge  narra il lato oscuro della fine della monarchia in Francia, puntando lo sguardo su quello che nessuno ha mai raccontato: i mesi di prigionia di Maria Antonietta, Luigi XVI e i loro figli in un castello alle porte di Parigi in attesa di essere giustiziati.

Quando si parla di Maria Antonietta vengono subito alla mente merletti, alte parrucche, i vestiti sgargianti della vita di corte a Versailles, come nel film di Sofia Coppola. Oppure la ghigliottina e il sangue del regime del terrore. Tra questi due estremi si colloca il film di Jodice, che si concentra su un tempo breve e condensato dove tutte le maschere cadono: quella dei due reali come figure pubbliche e private, e quella della Storia che volta definitivamente pagina con la presa della Bastiglia e la Rivoluzione Francese.

Il lavoro del regista napoletano è un’opera apocalittica nella quale si parla della fine di un mondo, ed è un film che unisce al racconto storico quello umano, intimo e universale al tempo stesso. Le Déluge è diviso in tre atti: “gli dei”, “gli uomini”, “i morti”. È  la rappresentazione della condizione umana e delle fasi dell’esistenza, che passa attraverso la nascita, l’ascesa e la caduta dei protagonisti, interpretati con grande sensibilità da Mélanie Laurent e Guillaume Canet. Ogni fase ha una ricerca stilistica che vuole smarcarsi dalla cifra del film storico classico, e offrire un punto di vista contemporaneo.

Luoghi, luci e colori tentano di restituire uno sguardo moderno e per riuscirci Jodice si affida alla fotografia di Daniele Ciprì e alle scenografie di Tonino Zera. Le tonalità del primo atto sono chiare, è un contesto quasi onirico, il bianco e il grigio assorbono il loro smarrimento, i reali ben vestiti e curati si trovano in una sorta di purgatorio, sospesi tra la loro vita precedente e la morte. Nel secondo atto, il buio e il marrone delle pareti nella torre si fanno predominanti, l’angoscia cresce, prevale il colore della terra, c’è poca luce, i reali non godono più degli agi e del rispetto e sono privati della loro libertà. Il terzo atto, infine, si concentra sull’interiorità, su quello che resta dopo la negazione alla vita, l’anima all’interno del corpo prima della morte. I due monarchi affrontano le loro giornate volgendo sempre più lo sguardo alla famiglia, avvicinandosi tra loro e facendosi forza per proteggere i figli, nella loro quotidianità con i carcerieri.

Le Déluge possiede varie e diversificate chiavi di lettura, non prende una posizione sui fatti storici, ma ama ribaltare il punto di vista dominante, spogliando l’essere umano delle sue vesti e dei suoi privilegi, per mostrare il ripetersi dei meccanismi degli uni contro gli altri, per dare voce a un pensiero e alla sua stessa contraddizione. Chi in nome della democrazia compie gli stessi atti di malvagità e umiliazione sul Re e sulla Regina, è colui che vuole garantire la libertà e l’uguaglianza del popolo. Una regina che deve offrirsi sessualmente per avere in cambio del rispetto e della biancheria pulita subisce, da parte di chi rivendica la fine della sofferenza, la stessa sofferenza. Ma il popolo, a causa dell’indifferenza della monarchia, da tempo non conosce un giorno senza dolore, fame e miseria.

Ed è proprio questo continuo rovesciamento della prospettiva a creare angoscia, perché non è solo il contesto storico che si analizza, ma l’incertezza della condizione umana, l’ipocrisia e le debolezze, la brevità del percorso, e la vulnerabilità del nostro viaggio terreno.

A nessuno Dio concede l’immunità: Re Luigi XVI era nato Re ed era il tramite tra Dio e il popolo, il monarca assoluto, ma in realtà era solo un uomo. Nulla è per sempre e nessuno è esente dalla sofferenza, neanche il Re e la Regina. Questa sembra essere la vocazione metafisica del film di Jodice, quell’ apocalisse intima dei personaggi che vuole riflettere sulla storia, ma soprattutto sulla condizione umana.

In sala dal 21 novembre 2024

Le Déluge – Gli ultimi giorni di Maria Antonietta  – Regia: Gianluca Jodice;  sceneggiatura: Filippo Gravino, Gianluca Jodice; fotografia: Daniele Ciprì; montaggio: Giuseppe Trepiccione;  musica: Fabio Massimo Capogrosso; scenografia: Tonino Zera; costumi: Massimo Cantini Parrini;  interpreti: Guillaume Canet, Mélanie Laurent, Aurore Broutin, Hugo Dillon, Tom Hudson, Roxane Duran, Anouk Darwin Homewood, Vidal Arzoni, Fabrizio Rongione; produzione:  Marco Colombo, Matteo Rovere per Ascent Film con Rai Cinema e Adler Entertainment, in coproduzione con Quad;  origine: Italia/Francia, 2024; durata: 100 minuti; distribuzione: Bim Distribuzione.

Interpretato e diretto da Giampaolo Morelli,  L’amore e altre seghe mentali racconta la storia di Guido (Giampaolo Morelli), un uomo di 45 anni che dopo un lutto e una delusione d’amore riduce la sua attività sessuale alla compulsiva pratica dell’autoerotismo. La sua dedizione al sesso virtuale gli consente di realizzare le sue fantasie senza alcuna implicazione nel mondo reale, gli basta indossare un visore e realizzare tutti i suoi desideri. Nella sua vita ci sono i suoi due migliori amici, Niky (Marco Cocci) ossessionato dalle relazioni online, e Armando (Leonardo Lidi) inconsapevolmente incastrato in un matrimonio in crisi. Ma la conoscenza di Giulia (Maria Chiara Giannetta), una cameriera svampita e sexy che lavora davanti al suo negozio, risveglierà in lui emozioni che non pensava poter ancora provare.
L’amore e altre seghe mentali, come lo stesso regista ci racconta, vuole essere uno sguardo ironico e dissacrante sullo stato attuale della coppia. Girato nella Capitale, ci offre uno spaccato interessante di Roma tra il quartiere San Lorenzo e la Tiburtina, lontano dai luoghi turistici e patinati che sono soliti rappresentare la città eterna. Ed è in queste locations che Morelli muove gli attori (e se stesso nel ruolo di Giulio), per portare in scena quella che è la sua idea del film: narrare una storia romantica e spregiudicata, realista e audace, in una continua oscillazione tra la comicità e il sentimento.

Tuttavia, l’ambizione di voler fluttuare tra queste piccole distanze, e al tempo stesso essere dinamico e originale, sembra essere rimasta più nelle intenzioni che nel risultato finale. Ci si chiede, ancor prima che il film finisca, quale sia esattamente il vero punto di vista del regista, e soprattutto a quale fascia di pubblico sia destinato. Così cercando tra le nebbie e gli sfondi bianchi, districandoci tra frasi fatte, siparietti poco divertenti, situazioni forzate e scontate dove si parla solo di sesso (ma di sensuale non c’è nulla), ci si domanda se ci sia in realtà una necessità o un messaggio nascosto da qualche parte, che uno spettatore (forse) snob non riesce a trovare. E alla fine bisogna ammettere che invece una fascia consistente di italiani potrebbe identificarsi facilmente nei protagonisti di questo film. E se l’intenzione di un Rossellini, di elevare le masse attraverso il mezzo audiovisivo, è qualcosa di preistorico e impensabile oggi, l’obiettivo adesso sembra essere esattamente quello opposto: sfamare e assopire sempre di più tutti coloro che si limitano a sopravvivere nel loro mondo stereotipato, passano da Tinder a X e Instagram, per finire a vedere Temptation Island sul divano, rifiutando la vita vera.
E inevitabilmente finiamo anche noi per desiderare un visore sul viso come quello del protagonista e sogniamo di essere introdotti nel metaverso, e non per farci seghe mentali, ma per immaginare un paese migliore e un popolo di maggiore spessore.

In sala dal 17 ottobre 2024

L’amore e altre seghe mentali – Regia: Giampaolo Morelli; sceneggiatura: Giampaolo Morelli, Gianluca Ansanelli; fotografia: Davide Manca; montaggio: Luciana Pandolfelli; interpreti: Giampaolo Morelli, Maria Chiara Giannetta, Leonardo Lidi, Marco Cocci, Giulia Fiume, Marco Messeri, Daniela Terreri, Lucianna De Falco, Gerhard Koloneci, Duan Xiaoxiang, Ludovica Di Donato, Federico Tocci, Alessandra De Pascalis, Eleazaro Rossi, Ilary Blasi;; produzione: Eagle Original Content, Italian International Film, in collaborazione con Vision Distribution, Sky, Prime Video; origine: Italia, 2024; durata: 88 minuti; distribuzione: Vision Distribution.