Le nuove uscite dal 12 al 18 ottobre 2026

ALWAYS LALISA – Regia: Sue Kim; Genere: documentario musicale sulla rapper e cantante thailandese Lisa di cui viene seguito un anno di vita mentre intraprende la carriera da solista indipendente dal suo gruppo Blackpink.; Origine: Usa, 2026; Durata: 102 minuti; Distribuzione: Nexo Studios.
Uscita 12 -14-17 ottobre 2026

 ESSI VIVONO  (They Live) – Regia: John Carpenter; Interpreti: Susan Barnes, Susan Blanchard, Keith David, George “Buck” Flower, Meg Foster, Peter Jason, John Lawrence, Roddy Piper, Jason Robards, Sy Richardson, Raymond St. Jacques, Wendy Brainard, Dana Bratton; Genere: Horror; Origine: Usa, 1988; durata: 97 minuti; Distribuzione: Filmclub Distribuzione.
Uscita 12 ottobre 2026.

IL DOTTOR STRANAMORE, OVVERO: COME IMPARAI A NON PREOCCUPARMI E AD AMARE LA BOMBA (Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb) – Regia: Stanley Kubrick; Interpreti: Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden, Keenan Wynn, Slim Pickens, Peter Bull, James Earl Jones, Jack Creley, Hal Galili, Laurence Herder, Tracy Reed, Shane Rimmer, Glenn Beck, Robert Vincent O’Neill, Roy Stephens, Frank Berry, Paul Tamarin, John McCarthy, Gordon Tanner; Genere: Commedia/ Guerra; Origine: Gb, 1964; durata: 93 minuti; Distribuzione: Lucky Red.
Uscita 12-13-14 ottobre 2026.

PER SILENZIO E VENTO – Regia: Marco Zuin; Genere: documentario sui cambiamenti climatici nelle Dolomiti e più in generale sul senso di abitare la nostra terra con lo scrittore  Matteo Righetto; Origine: Italia, 2026; Durata: 80 minuti; Distribuzione: Wanted.
Uscita 12-13-14 ottobre 2026.

DAL 15  OTTOBRE

CARLO ACUTIS – IL GIOVANE SANTO – Regia: Luca Salmaso; Genere: documentario a vent’anni dalla sua morte su Carlo Acutis (1991 –2006), un adolescente italiano, venerato come santo della Chiesa cattolica; Origine: Italia, 2026; Durata:  minuti; Distribuzione: Nexo Studios.

FRANKIE E LE CREATURE DIMENTICATE (Stitch Head) – Regia: Steve Hudson; Genere: Animazione sul personaggio di Frankenstein; Origine: Gb/ Germania/ Lussemburgo/ Francia, 2025; Durata: 89 minuti; Distribuzione: Vertice360.

IL TEMPO DI ANNE (LOL 2.0) – Regia: Lisa Azuelos;  Interpreti: Sophie Marceau, Thaïs Alessandrin, Vincent Elbaz, Sandrine Bonnaire, Françoise Fabian, Alexandra Lamy, Pierre Deladonchamps, Sophie Meister; Genere: Commedia; Origine: Francia, 2026; Durata: 90 minuti; Distribuzione: Europictures.

JE SO’ PAZZO – Regia: Nicola Prosatore;  Interpreti: Massimiliano Caiazzo, Paolo Aguzzi, Riccardo Betteghella, Luca Chikovani, Giampiero De Concilio, Giuseppe Brunetti, Leonardo Bianconi, Mariasole Pollio, Giovanni Ludeno, Monica Nappo, Antonia Truppo, Demi Licata.; Genere: Biografico/Musicale; Origine: Italia, 2026; Durata: 106 minuti; Distribuzione: 01 Distribution.

JUMBO  – Regia: Ryan Adriandhy; Genere: Film d’animazione, campione di incassi nel suo genere in Indonesia con oltre dieci milioni di spettatori; Origine: Indonesia, 2006; Durata: 102 minuti; Distribuzione: Amaranta Frame.

LA BAMBOLA (La Poupée)  – Regia: Sophie Beaulieu;  Interpreti: Vincent Macaigne, Cécile de France, Zoé Marchal, Marianne Basler, Adèle Journeaux, Gilbert Melki, Ludovic Thievon, Victor Bonnel, Souleymane Sylla, Guillaume Clérice, Gina Jimenez; Genere: Commedia; Origine: Francia, 2025; Durata: 80  minuti; Distribuzione: No.Mad Entertainment.

PRIMETIME  – – Regia: Lance Oppenheim; Interpreti; Robert Pattinson, Merritt Wever, Skyler Gisondo, Matthew Maher, Bokeem Woodbine, Anna Faris, Phoebe Bridgers; Genere: Drammatico; origine: Usa, 2026; durata: 110 minuti; distribuzione: I Wonder Pictures.

STREET FIGHTER – Regia: Kitao Sakurai;  Interpreti: Andrew Koji, Noah Centineo, Callina Liang, David Dastmalchian, Jason Momoa, Joe “Roman Reigns” Anoa’i, Cody Rhodes, Curtis “50 Cent” Jackson, Orville Peck, Olivier Richters, Mel Jarnson, Vidyut Jammwal, Hirooki Goto, Andrew Schulz; Genere: Azione; Origine: Usa, 2026; Durata: 120 minuti; Distribuzione: Eagle Pictures.

WHALEFALL – NELLA BALENA (Whalefall) – Regia: Brian Duffield; Interpreti: Austin Abrams, Josh Brolin, Elisabeth Shue, Emily Rudd, Jane Levy, John Ortiz; Genere: Thriller; Origine: Usa, 2026; Durata: 106 minuti; Distribuzione: Walt Disney.

ZUSTISSIA – Regia: Francesco Piras; Interpreti: Michele Riondino, Fabrizio Ferracane, Paola Giannini, Jacopo Cullin, Francesco Colella, Geppi Cucciari, Philippine Leroy-Beaulieu, Valentino Mannias, Alessandro Gazale, Giuseppe Gaiani, Riccardo Lai, Luciano Curreli, Laura Mura, Nina Viola Dessì, Giuseppe Ungari, Antonio Sotgiu, Veronica Trova; Genere: Drammatico; Origine: Italia, 2026; Durata: 111 minuti; Distribuzione: PiperFilm.

FATHERLAND (Vaterland) – Regia: Paweł Pawlikowski; Interpreti: Sandra Hüller (Erika Mann), Hanns Zischler (Thomas Mann), August Diehl, Anna Madeley, Devid Striesow, Theo Trebs, Joanna Kulig; Genere: Drammatico/Storico; Origine: Polonia/Regno Unito/Germania/Francia/Italia, 2026; Durata: 82 minuti; Distribuzione: Mubi.
Uscita il 16 ottobre.

SE AMI QUALCUNO DILLO – Regia: Marco Bonini; Interpreti: Edoardo Leo, Claudia Gerini, Giovanna Mezzogiorno, Biagio Venditti, Daniela Virgilio, Pietro De Silva, Thomas Trabacchi, Clemente Pernarella, Luisa De Santis, Antonia Di Francesco; Genere: Commedia; Origine: Italia, 2026; Durata: 112 minuti; Distribuzione: Vision Distribution.

Le nuove uscite dal 5 all’11 ottobre 2026.

CARAVAGGIO  – Regia: David Bickerstaff, Phil Grabsky; Genere: Documentario sul grande pittore italiano con Jack Bannell (Michelangelo Merisi) e gli studiosi Helen Langdon, Letizia Treves, Stephen Nelson e Fabio Scaletti; Origine: Gb, 2025; Durata: 100 minuti; Distribuzione: Kublai Film.
Uscita 4-5-6 ottobre 2026 (qui le sale)

LA VITA SEGRETA DEI GIOCATTOLI – Regia: Alexandra D’Onofrio, Sara Zavarise; Genere: Documentario su Roberto Papetti, uno degli ultimi e più importanti maestri giocattolai d’Italia; Origine: Italia, 2026; Durata: 60 minuti; Distribuzione: ZaLab.
Uscita 5 ottobre 2026.

L’INFERNALE QUINLAN (Touch of Evil) – Regia: Orson Welles; Interpreti: Charlton Heston (Ramon Miguel ‘Mike’ Vargas), Janet Leigh (Susan Vargas), Orson Welles (Hank Quinlan), Joseph Calleia (Pete Menzies), Marlene Dietrich (Tanya), Akim Tamiroff (Joe Grandi), Joanna Moore (Marcia Linnekar), Ray Collins (Adair); Genere: Drammatico/Poliziesco; Origine: Usa, 2026; Durata: 111 minuti; Distribuzione: Cineteca di Bologna.
Uscita 5 ottobre 2026. Nostra valutazione ****(*). Senza se e senza ma, un grande capolavoro

QUEEN BUDAPEST (Varázslat: A Queen Budapesten) – Regia: János Zsombolyai; Genere: Documentario musicale con l’ultima esibizione dei Queen nella formazione completa; Origine: Usa/ Ungheria/ Canada, 1986/2026; Durata: 90 minuti; Distribuzione: Nexo Studios
Uscita 7 ottobre 2026

DALL’8 Ottobre

BALCANICA – Regia: Nicola Sorcinelli; Interpreti: Matilda De Angelis (Greta), Babak Karimi (Nazar), Ivar Wafaei (Jalil), Giovanni Toscano (Edoardo); Genere: Drammatico; Origine: Italia, 2026; Durata: 83 minuti; Distribuzione: Fandango.

I RACCONTI DEL GIARDINO INCANTATO  (Pohádky po babicce) – Regia: David Súkup, Patrik Pass, Leon Vidmar, Jean-Claude Rozec; Genere: Animazione in stop-motion; Origine: Repubblica Ceca/ Slovacchia/ Slovenia/ Francia, 2025; Durata: 71 minuti; Distribuzione: Trent Film in collaborazione con Cinema dei Piccoli.

L’ALBERO DI MOLTO LONTANO  (The Magic Faraway Tree) – Regia: Ben Gregor; Interpreti: Jessica Chastain, Dichen Lachman, Karen Allen, Jay Duplass, Arabella Olivia Clark, Arian Moayed, Sean Kaufman, Alec Secareanu, Travis Nelson, Adam Silver, Hayley Spelman; Genere: Family/Fantasy; Origine: Gb/Usa, 2026; Durata: 110 minuti; Distribuzione:  Notorious Pictures.

L’ESTRANEA – Regia: Paolo Strippoli; interpreti: Jasmine Trinca, Romana Maggiora Vergano, Adriano Giannini, Valeria Bruni Tedeschi; Genere: Thriller /Drammatico; Origine: Italia/ Francia/ Belgio, 2026; Durata: 115 minuti; Distribuzione: 01 Distribution.

MAMMINA (Other Mommy) – Regia: Rob Savage; Interpreti: Jessica Chastain, Dichen Lachman, Karen Allen, Jay Duplass, Arabella Olivia Clark, Arian Moayed, Sean Kaufman, Alec Secareanu, Travis Nelson, Adam Silver, Hayley Spelman; Genere: Horror; Origine: Usa, 2026; Durata: 93 minuti; Distribuzione: Universal Pictures.

RIDER – Regia: Roan Johnson, Davide Pavanello; Interpreti: Lorenzo Aloi, Paola Kaze Formisano, Levante, Margherita Vicario, Kyshan Wilson, Rosa Chemical, Claudio Santamaria, Mattia Mor, Johnny Marsiglia, Ensi, Axos, Alice Rosso, Federica Bonani ; Genere: Drammatico/ Musical; Origine: Italia, 2026; Durata: 87 minuti; Distribuzione: I Wonder Pictures.

SOTTO A CHI TOCCA – Regia: Giorgio Pasotti;  Interpreti: Giorgio Pasotti, Stefano Fresi, Rocco Papaleo, Giacomo Giorgio, Giovanna Mezzogiorno, Linda Messerklinger, Claudia Tosoni; Genere: Commedia; Origine: Italia, 2026; Durata: 106 minuti; Distribuzione: Adler Entertainment.

THE SOCIAL – IL PREZZO DELLA VERITÀ (The Social Reckoning) – Regia: Aaron Sorkin; Interpreti: Mikey Madison, Jeremy Allen White, Jeremy Strong, Wunmi Mosaku, Betty Gilpin, Billy Magnussen, Bill Burr, Patrick Fischler, Gbenga Akinnagbe, Portia Doubleday, Nelson Franklin, Sierra Capri, Crystal Balint, Aidan Laprete, Tehmina Sunny, Erin Boyes; Genere: Drammatico; Origine: Usa, 2026; Durata: 114 minuti; Distribuzione: Eagle Pictures.

ANIMALS – Regia:  Ben Affleck; Interpreti: Ben Affleck, Kerry Washington, Gillian Anderson, Adriana Paz, Ray Fisher, Christopher Woodley, Matt Gerald, Jacob Estrada, Luis Gerardo Méndez, Steven Yeun; Genere: Thriller/Action; Origine: Usa, 2026; Durata: 106 minuti;  Distribuzione: Netflix.
Dal 9 ottobre 2026 su Netflix.

CONTROLUCE – Regia: Tony Saccucci; Genere: Documentario su Adolfo Porry-Pastorel detto “il fotografo di Mussolini”; Origine: Italia, 2024; Durata: 72 minuti; Distribuzione: Cinecittà Luce.
Uscita 9 ottobre 2026.

Digger. Voto ***(*).  A partire dallo slogan “Da un grande potere derivano grandi capacità di negare le responsabilità”, Cruise, Iñárritu e tutti gli uomini del Presidente ci narrano di un magnate del petrolio, Digger Rockwell, imprevedibile e borderline.  In un’opera, tra le più attese dell’anno, di fantapolitica – strabordante e (prevediamo) altamente divisiva. 

Tornato dopo quattro anni dietro la macchina da presa dopo la fluviale seduta psicanalitica di BARDO, la cronaca falsa di alcune verità (2022), Alejandro González Iñárritu anche con Digger, il suo nuovo film, non si è certo reso la vita facile né ha scelto la prima via percorribile.

“Ho avuto un’idea – ha dichiarato il regista messicano-hollywoodiano . Non una sceneggiatura, non un film, solo un’ossessione implacabile e ricorrente che è durata per tutti questi anni. Sapevo chi fosse questo personaggio. Sapevo come parlava, come sopravviveva, come seduceva la realtà per farla cedere. Ma mi ci sono voluti 10 anni per fare questo film, perché non cercavo una storia. Cercavo il modo giusto per raccontarla.”
E quel modo giusto l’ha trovato, aggiungiamo noi. Solo che …

Recensire Digger, uno dei film più attesi dell’anno costato la modica cifra di 125 milioni di dollari e, come detto, quasi un decennio di tempo per realizzarlo, è – a dirla con una semplice battuta – un  esercizio estremo di equilibrismo: tra il dire e il non dire. Perché?

Già un cartello iniziale, quasi minaccioso, invita il pubblico (e ovviamente a maggior ragione  UN critico) a non rivelare la trama, una volta visto il film, per non togliere a un ulteriore spettatore il piacere della scoperta su quanto, appunto, si narra in questo film. E ovviamente avendolo visto, il suggerimento diventa palese e anche logico se si vuole, per non guastare il gusto della scoperta che è – ma non solo – alla base di Digger.

Il che ci obbliga a lavorare come un funambolo al circo sul filo del rasoio di quanto è possibile scrivere, almeno ora prima dell’uscita pubblica – ma sul film certamente si potrà anzi si dovrà ritornare successivamente magari in occasione di un possibile Oscar al protagonista, un quasi irriconoscibile Tom Cruise, che ha potentemente voluto questo film e che ci ha offerto, almeno a mio giudizio, un’interpretazione assolutamente straordinaria.

Ora, fatta questa premessa persino troppo lunga, veniamo alla trama, anche sulla base di quel che ci viene detto dal trailer che qui potete vedere.

Nell’incipit – questo ci sentiamo di poterlo, a prescindere, raccontare – ci troviamo in una sontuosa stanza da letto dove seguiamo un signore anziano, tal Digger Rockwell (Cruise) che subito sapremo essere un potentissimo petroliere e che sembra avere a cuore, oltre ai suoi interessi miliardari, solo una gattina bianca, Maggie, gravemente malata (è quella che beffardamente si vede proprio alla fine del trailer).

Il nome del magnate è parlante: to dig in inglese significa scavare, e lui brandisce più volte nel corso della storia la pala del nonno che, seguendo il classico sogno americano, da povero diavolo è diventato un grande capitalista. La gattina, invece, anche questo lo capiremo presto, rappresenta quasi il simbolo della nostra umanità in pericolo di morte a cui l’uomo si dedica in maniera quasi maniacale, trascurando tutto il resto o quasi. Guardate con estrema attenzione la prima scena del film e forse già da lì, vi potrete accorgere (o forse no come il sottoscritto) della sorpresa, dell’Easter egg che Digger contiene.

Ora i titanici interessi del protagonista che estrae, alla grande, petrolio e metano nei ghiacci dell’Alaska e della Groenlandia sono strettamente intrecciati con quelli del Presidente degli Stati Uniti (un John Goodman, al solito fantastico) nel quale non è molto difficile identificare una sorta di Donald Trump malato e smagrito.

Malgrado tutti gli avvertimenti avuti e poi spiegati dal consigliere scientifico ed esperto ambientale Dr. Ganesh (Oscar Riz Ahmed) – sorta di bussola morale del film -, improvvisamente accade quello che non dovrebbe poter accadere: un incidente causato dalle irresponsabili trivellazioni di una società proprietà di Digger nell’estrazione del metano provoca un disastro climatico senza precedenti. Così dalla frattura nella calotta glaciale si stacca un gigantesco iceberg di nome “Judy” che si dirige verso l’Europa del Nord scatenando uno tsunami senza precedenti.

In pratica come a un certo punto gli dice Emma (Sandra Hüller), la sorellastra e socia in affari del protagonista (ma ecologista convinta – l’altro lato del capitalismo!): “Hai sommerso metà del mondo, che cazzo vuoi”, l’uomo si deve discolpare contro l’umanità che gli si rivolta violentemente contro in una sorta di Assemblea generale delle Nazioni Unite.

Ma le cose stanno veramente così? Senza il petrolio che si estrae e produce, potremmo vivere oggi con le comodità a cui siamo abituati – chiede in modo paradossale ai suoi avversari il protagonista. Sul crinale di questa gigantesca contraddizione sembrerebbe muoversi tutto Digger ma poi c’è tanto altro di cui non si può parlare. Per esempio, menzionare due opere di due colossi della storia del  cinema molti diversi, Fellini e Kubrick esplicitamente citati da Iñárritu. Verranno immediatamente in mente a qualunque cinefilo o anche poco cinefilo che si recherà in sala.

Quindi? Diciamolo subito: già dalle prime reazioni e dalle prime recensioni americane il film del regista messicano è, come spesso è avvenuto in passato ma qui in modo forse ancor più estremo, altamente divisivo e produrrà reazioni molto discordanti. Ad esempio, il celebre recensore del “Guardian” Peter Bradshaw lo ha giudicato senza appello “il film più deludente dell’anno”, aggiungendo che “è intrappolato in un buco postmoderno”.

Personalmente sono di avviso contrario. Oltre che splendidamente recitato da Cruise e tutto il cast, Digger mi ha preso, quasi sempre con poche cadute, per tutta la sua durata di due ore abbondanti – nel ritmo, nei dialoghi e nelle contraddizioni che la storia riesce filmicamente a raccontarci. Magari ci sarà chi potrà commentare “bah… un sacco di banalità che conosciamo bene”. Può darsi, forse, ma non nella forma che ci viene qui offerta – mi pare.

Il consiglio finale è dunque, andate a vedere questo Digger strabordante e  controverso. Di certo non ha la fulgida bellezza di un’altra opera di taglio politico, prodotta l’anno scorso dalla Warner e cioè Una battaglia dopo l’altra di Paul Thomas Anderson ma comunque penso che non siano soldi buttati al vento. Magari, aggiungete qui in calce a questo articolo qualche vostro commento (o insulto).

Ps.: Occhio alla folgorante fotografia, realizzata in originale in 35mm VistaVision ad opera di Emmanuel Lubezki – chissà, un omaggio visivo ai filmoni classici degli anni Cinquanta?

In sala dal 1 ottobre 2026.

Digger – Regia:  Alejandro González Iñárritu; sceneggiatura: Sabrina Berman, Alexander Dinelaris, Nicolas Giacobone, Alejandro González Iñárritu; fotografia: Emmanuel Lubezki; montaggio: Stephen Mirrione, Conor O’Neill; musica: Bryce Dessner; scenografia: Dennis Gassner; interpreti: Tom Cruise, Jesse Plemons, John Goodman, Sandra Hüller, Michael Stuhlbarg, Sophie Wilde, Emma D’Arcy, Riz Ahmed, Pip Torrens, Corey Johnson, Cullen Moss, Joe Hurst; produzione: Alejandro González Iñárritu, Tom Cruise, Mary Parent per Legendary Entertainment, Warner Bros.; origine: Usa/ Gb / Messico, 2026; durata: 129 minuti; distribuzione: Warner Bros Italia.

Onslaught – Assalto finale. Voto ***.  A prescindere dalle impalpabili implicazioni ideologiche “antimilitariste” sottese alla sua trama, Onslaught  è un discreto B-Movie, forse anche un pizzico old fashion, che con tutti i suoi evidenti limiti di scrittura e di inventiva, riesce a mantenere, in parte, quanto promette. E cioè novanta minuti (aurea misura!) di puro e godibile intrattenimento trash. Spettatore avvisato, mezzo salvato.

Ci aspettavamo qualche anno fa, dopo il mediocre Godzilla e Kong – Il nuovo impero, una terza puntata di quella saga sempre per mano dell’eclettico regista-attore-ecc. Adam Wingard e invece la nostra profezia è andata delusa.

Ora, invece, ci ritroviamo difronte a questo nuovo Onslaught – Assalto Finale in cui il budget è sicuramente minore – a produrre è l’ormai prolifica A24, da tempo la capofila degli “Indipendent” Usa – mentre la qualità, seppur di poco, è leggermente salita.  Un “assalto finale” – così l’aggiunta italiana al titolo originale – che ben si inserisce nella filmografia di un regista come Wingard che ha fatto del cortocircuito tra action movie muscolare e venature horror/splatter il proprio marchio di fabbrica.

Ricordiamoci poi che Onslaught in inglese significa attacco o assalto ma che è anche il nome di un celebre personaggio dei fumetti Marvel. Tuttavia, per evitare subito dei malintesi di sorta, vale la pena chiarire che la sceneggiatura originale di Simon Barrett – amico-collaborare molto di frequente di Wingard – nulla, assolutamente nulla ha a che fare con il suo omonimo fumettistico.

Se mai qualche lontana reminiscenza o connessione ci fosse tra questo b-movie che punta su un’esplicita estetica exploitation e ultra-violenta, con degli antecedenti, la si potrebbe cercare nella prima fantastica filmografia di John Carpenter, per esempio in Distretto 13 – Le brigate della morte (1976) o in Halloween – La notte delle streghe; o ancora in film dell’epoca a partire da Nightmare – Dal profondo della notte (1984) di Wes Craven & Co.

Ma è quasi impossibile essere così generosi sulle ascendenze cinefile di Onslaught e scendiamo dal Paradiso di un tempo alla ben più modesta realtà del cinema contemporaneo.

Siamo nel cuore arido e polveroso del New Mexico, in una piccola comunità di pacifici mezzi-sbandati e di veterani in pensione che tirano a campare abbastanza miseramente ma tutto sommato sereni nelle loro casette fatiscenti battute dal vento del deserto intorno. Qui vive anche la protagonista Celeste Cross (la bella portoricana Adria Arjona), un’ex cecchina dell’esercito, tormentata da passate esperienze traumatiche vissute in guerra, insieme alla figlia e ad un potente arsenale bellico che custodisce in modo maniacale. Divorziata, sbrigativa e molto diretta nei modi e nelle reazioni, la ragazza ha perso qualunque fiducia nel genere umano, a partire dall’ex-marito che minaccia di portagli via la loro figlia Daisy.

Non molto lontano da questa scarrupata comunità di cui si è detto, troviamo invece una base militare segreta dove si conducono degli esperimenti segreti, per conto di una classica ala deviata del Governo e sotto la guida del Dott. Hans Kammler (Dan Stevens), un ex scienziato nazista, coniugato a una imperscrutabile donna (Rebecca Hall, piuttosto brava nel ruolo della cattiva) di cui nel proseguo del film conosceremo moventi e funzioni. In ogni caso, l’obbiettivo degli esperimenti nel diabolico laboratorio è quello di modificare geneticamente e creare dei super-soldati invincibili e perfetti, delle implacabili macchine da guerra contraddistinte dal puro istinto di uccidere a comando senza remora alcuna.

Fate il classico 1 + 1 e non è poi molto difficile intuire, senza essere dei geni della sceneggiatura, cosa potrà succedere in Onslaught dopo un quarto d’ora di preparazione della storia: i tre prototipi-cavie riescono a liberarsi dalla prigionia in cui si trovano, sterminando chiunque glielo possa impedire compreso il nazista pazzo che ovviamente ci lascia le penne ma quasi contento di veder realizzato, comunque, il suo sogno di Blitzkrieg.

Ormai libero e con la voglia di menare le mani, il terzetto malefico comandato dal super-sadico “The Butcher” che, come si scoprirà, avrebbe anche qualche vecchio conto personale da regolare, si impadronisce di un camion con cui si mette in viaggio nella notte. E così il gruppo si presenta nella cittadina vicino alla base minacciando e uccidendo con ogni tipo di arma – asce e seghe micidiali comprese (che novità!) – chiunque è sulla sua strada o che riesce a stanare… Ovvio, però, che non ha fatto i conti con la nostra Celeste – non a caso omen nomen – e con un script altamente prevedibile, sino ad un finale dove …

Senza tirare in ballo le banalotte implicazioni ideologiche “antimilitariste” sottese alla trama di Onslaught, il film di Wingard è quello che è, senza se e senza ma. È un B-Movie, forse anche un pizzico old fashion, che con tutti i suoi evidenti limiti di scrittura e di inventiva, riesce a mantenere, in parte, quanto promette. E cioè novanta minuti (aurea misura!) di puro e godibile intrattenimento trash, rivolto soprattutto a un pubblico giovanile, magari non particolarmente cinefilo, ma in cerca di gore e di disimpegno adrenalinico.

Devo comunque confessare che, pur tappandomi le orecchie tutto il tempo durante la proiezione per non aver distrutti i timpani per i livelli devastanti della colona audio (musica & rumori), alla fine mi sono divertito anche un po’. Forse perché mi sono scattati i ricordi dei vecchi classici a cui, molto alla lontana come si diceva, Onslaught vuole oggi fare il verso.

Dunque, chi lo andrà a vedere sa cosa l’aspetta. Leggo, però, che Onslaught negli Usa è stato un flop, chissà se da noi, al contrario, le cose andranno diversamente.

In sala dal 1 ottobre 2026.

Onslaught – Assalto Finale (Onslaught) – Regia: Adam Wingard; sceneggiatura: Simon Barrett; fotografia: Oren Soffer; montaggio: Adam Avery, Josh Schaeffer; musica: Matthew Pusti; interpreti: Adria Arjona, Dan Stevens, Drew Starkey, Rebecca Hall, Michael Biehn, Jacob Scipio, Reginald VelJohnson, Keil Oakley Zepernick, Jesse La Flair, Alex Pereira; produzione: Aaron Ryder, Andrew Swett, Adam Wingard, Jeremy Platt, Alexander Black, Simon Barrett per 828 Productions, A24 Television, Breakaway Civilization, Lyrical Media. Ryder Picture Company; origine: Usa, 2026; durata: 92 minuti; distribuzione: I Wonder Pictures.

La città dei vivi. Voto ***(*). L’ex-attore di Paolo Virzì, Edoardo Gabbriellini porta al Concorso di “Orizzonti” un film duro e analitico, assai poco interessato al voyeurismo giudiziario o ai meccanismi procedurali di un caso che dieci anni fa ha destato ampio clamore, quello del ventitreenne Luca Varani già narrato nell’omino libro dallo scrittore barese Nicola Lagioia. Presentato alla Mostra di Venezia 2025 in Concorso nella sezione “Orizzonti”.

Qualcuno ricorda la terribile storia che nel marzo 2016 sconvolse l’opinione pubblica soprattutto romana con il tragico omicidio del ventitreenne Luca Varani massacrato da due pazzoidi? Io personalmente no dato che sono abbastanza disattento ai fatti di cronaca nera ma questa vicenda feroce e cruenta è stata già ben raccontata e sviscerata da Nicola Lagioia nel suo acclamato romanzo La città dei vivi edito da Einaudi nel 2020. Ora ci viene riproposta sul grande schermo da Edoardo Gabbriellini, in un film interessante che al maschile sembra in qualche maniera la continuazione del suo precedente Holiday, assai poco fortunato al botteghino.

Giunto al suo quarto lungometraggio di fiction, il regista livornese – molti lo ricorderanno agli esordi come volto portante della commedia all’italiana al crepuscolo di Paolo Virzì (Ovosodo, 1997 e Baci e abbracci, 1999) – dimostra, come anche nel suo lungometraggio precedente, di non essere particolarmente interessato al voyeurismo giudiziario o ai meccanismi procedurali dell’indagine. Magari qualcuno alla fine del film si lamenterà di tale mancanza e andrà a cercarsi dei particolari su internet, ma ciò, a nostro avviso, ci sembra non un punto di debolezza bensì di forza, dato che esplicitamente La città dei vivi non vuol essere un reportage di inchiesta criminale ancor meno che, a suo tempo, La scuola cattolica di Stefano Mordini.

A quanto pare esisteva una precedente sceneggiatura dei Fratelli D’Innocenzo ma è stata lasciata da parte, tant’è vero che nel manifesto del film si legge: liberamente ispirato all’opera letteraria “La citta dei vivi” di Nicola Lagioia – e sarebbe fanta-cinema immaginare cosa ne avrebbero potuto fare i due fratelli romani. «Questo film – ha dichiarato Gabbriellini – non offre alcuna spiegazione per la tragedia, nessuna intuizione e nessuna teoria sugli adolescenti o sulla società di oggi. È un racconto di formazione interrotto, punteggiato da tutta l’umanità intorno al protagonista, che diventa un coro, o meglio la musica che scandisce il ritmo e l’atmosfera della città in cui si muove».

Il punto di vista registico, dunque, segue un criterio quasi pudìco, riservato, dove non c’è violenza esplicita in nessun movimento e in nessuno sguardo, ma solo grande tenerezza. Gabbriellini cerca di tradurre le sue intenzioni in un linguaggio che nello smarcarsi dal naturalismo documentario vuole accedere ad un personalissimo lirismo filmico. Così riesce sempre (o quasi) a lasciarsi dietro i logori cliché sulla Roma criminale di periferia che tante volte abbiamo visto al cinema, dove il disagio giovanile tende troppo spesso a ridursi a macchietta sociale.

La città dei vivi inizia con una sequenza di grande potenza drammatica: vediamo una coppia sterile che vuole adottare un bambino.  Vengono mostrati tre bimbi, Giuseppe (Valerio Mastandrea) e Silvana (Simona Senzacqua) scelgono e prendono quello al centro che sorride; gli altri due, invece, vengono rimessi in una sorta di culla circolare e si mettono a piangere – segno terribile che non hanno avuto il loro colpo di fortuna; stacco temporale netto e ritroviamo quel neonato vent’anni dopo: è diventato Luca (Emanuele Maria Di Stefano), un bel ragazzo alto e spavaldo.

Il protagonista ha una fidanzata, Marta (Gaia Merlonghi), che lavora come cameriera, magari i due vorrebbero sposarsi ma lui manca di stimoli per studiare e le prospettive di guadagno scarseggiano, diviso tra l’inerzia e l’aiuto al padre ambulante Giuseppe, che gira su un furgoncino carico di dolciumi.

Di Roma abbiamo visto sino a questo momento la periferia più o meno degradata ma il turning-point decisivo nella vicenda de La città dei vivi avviene alla Stazione Termini. Un coetaneo trascina Luca, quasi inconsapevole, in un vortice molto pericoloso di sesso mercenario e di droga. Il ragazzo accetta l’occasione solo per rimediare qualche centinaio di euro, del tutto ignaro di ciò che successivamente gli accadrà sino all’appuntamento orrendo del 4 marzo 2016.

Edoardo Gabbriellini sceglie di fotografare un universo giovanile sospeso, né del tutto buono né del tutto cattivo, dove la purezza dei sentimenti convive tragicamente con la tentazione di pericolose scorciatoie. Da Pier Paolo Pasolini, La città dei vivi eredita una certa sympatheia per i suoi nuovi proletari mentre il film, in modo quasi inconsapevole, scivola via via nella tragedia con un passo quasi girovago, ben supportato dalla fotografia livida e curatissima di Amine Messadi e dalla ottima interpretazione di tutto il cast.

Se dunque la scelta di non spiegare l’inesplicabile è del tutto coerente con le intenzioni del regista, a tratti ne La città dei vivi si potrebbe avvertire – come già notavamo – la mancanza di qualche tassello interpretativo in più o di un maggiore approfondimento psicologico di personaggi e fatti. Ciò nonostante, per me, l’opera ci regala momenti di ottimo e non scontato cinema e ci auguriamo che La città dei vivi possa trovare un pubblico attento a questo tipo di proposta dolorosa e sottocutanea, in grandissima parte priva di facili consolazioni, scorciatoie e banalità.    

In sala dal 1° ottobre 2026.

La città dei vivi – Regia: Edoardo Gabbriellini;  sceneggiatura: liberamente tratto dall’omonimo libro di Nicola Lagioia;  fotografia: Amine Messadi; montaggio: Jacopo Ramella Pajrin; effetti visivi: Ermanno Di Nicola; scenografia: Marcella Mosca; interpreti: Emanuele Maria Di Stefano, Gaia Merlonghi, Simona Senzacqua, Roberta Mattei, Valerio Mastandrea; produzione: Roberto Proia Olivia Musini Maurizio Piazza, Andrea Calbucci per Eagle Pictures, Cinemaundici, Lungta Film; origine: Italia, 2026; durata: 104 minuti; distribuzione: Eagle Pictures.

Le nuove uscite dal 21 settembre al 4 ottobre 2026.

ULTIMO – TUTTO. LIVE A TOR VERGATA – Regia: Giorgio Testi; Genere: Documentario musicale con Ultimo, il maggior concerto della storia musicale del nostro paese; Origine: Italia, 2026; Durata: 165 minuti; Distribuzione: Nexo Studios.
Uscita 22 settembre 2026.

DAL 24 SETTEMBRE

AVENGERS: ENDGAME –  Regia: Anthony e Joe Russo; Interpreti: Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Don Cheadle, Paul Rudd, Brie Larson, Karen Gillan, Danai Gurira, Benedict Wong, Jon Favreau, Gwyneth Paltrow, Josh Brolin, Tom Holland; Genere: Supereroi/ Fantascienza, quarto capitolo della saga iniziata con Avengers (2012); Origine: USA, 2019; durata: 182 minuti; Distribuzione: Walt Disney

DUE LADRI IN FUGA (Un p’tit truc en plus) – Regia: Victor Artus Solaro (Artus); Interpreti: Artus, Clovis Cornillac, Alice Belaïdi, Marc Riso, Céline Groussard, Gad Abecassis, Ludovic Boul; Genere: Commedia; Origine: Francia, 2024; Durata: 99 minuti; Distribuzione: Eagle Pictures.

EN EL CAMINO – Regia: David Pablos; Interpreti: Víctor Miguel, Osvaldo Sánchez; Genere: Drammatico; Origine: Messico, 2025; Durata: 93 minuti; Distribuzione: Cat People, grazie a I Wonder.

HEART OF THE BEAST – NEL PROFONDO SELVAGGIO (Heart of the Beast) – Regia: David Ayer;  Interpreti: Brad Pitt, J.K. Simmons, Anna Lambe, il cane Uber; Genere: Azione, Avventura; Origine: Usa, 2026; Durata: 99 minuti; Distribuzione: Eagle Pictures.

L’ISOLA DEI RICORDI (Forgotten Island) – Regia: Joel Crawford, Januel Mercado; Genere: Animazione DreamWorks; Origine: Usa, 2006; Durata: 96 minuti; Distribuzione: Universal.

MAIGRET, L’AMORE E LA MORTE  (Maigret et le mort amoureux) – Regia: Pascal Bonitzer;  Interpreti: Denis Podalydès, Dominique Reymond, Anne Alvaro, Manuel Guillot, Irène Jacob, Gaëtan Galliod, Laurent Poitrenaux, Micha Lescot, Julia Faure, Arcadi Radeff, Matthieu Lucci, Noël Simsolo; Genere: Poliziesco; Origine: Francia/ Belgio, 2026; Durata: 80 minuti; Distribuzione: Lucky Red.

NESSUN DOLORE  – Regia: Gianni Amelio; Interpreti: Alessandro Borghi, Valeria Golino, Valerio Mastandrea, Beidja Yahiaoui, Gabriel Bovino, Ramzi Lafrindi, Alberto Cracco, Giuseppe Amelio, Younes El Bouzari, Max Paiella, Claudia D’Alessandro, Wael El Moudnia, Salaheddine Farhane, Anna-Lena Treue, Wided Khefifi, Abdellatif Maghni, Francesco Marucci, Abdelrahman Reda Sabra, Marco Rinciari, Mohamed Saber Fetouh Elsayed, Felix Schmidt, Paola Scotto Di Tella, Omar Suleiman, Alberto Vecchiato; Genere: Drammatico; Origine: Italia, 2026; Durata: 98 minuti; Distribuzione: 01 Distribution.

SANTIAGO – UN CAMMINO PER RICOMINCIARE (Compostelle) – Regia: Yann Samuell; Interpreti: Alexandra Lamy, Julien Le Berre, Melanie Doutey, Eric Métayer; Genere:  Commedia/ Drammatico; Origine: Francia/ Belgio, 2026; Durata: 102 minuti; Distribuzione: Officine Ubu.

UNA STORIA – Regia: Anna Foglietta; Interpreti: Alba Rohrwacher, Guido Caprino, Caterina Casini, Elio De Capitani, Duccio Camerini; Genere: Drammatico; Origine: Italia, 2026; Durata: 107 minuti; Distribuzione: Bim Distribuzione.

Settimana successiva

NAZA – Regia: Yuval Abraham, Rachel Szor; Genere: documentario   ; Origine: Gb, 2026; Durata: 80 minuti; Distribuzione: I Wonder Pictures.
Uscita 28 settembre 2026.

LINKIN PARK – UNSHATTER – Regia: Joe Hahn; Genere: documentario musicale con Joe Hahn, Mike Shinoda; Origine: Corea del sud, 2026; Durata: 110 minuti; Distribuzione: Nexo Studios.
Uscita 30 settembre 2026.

THE BIBI FILES – Regia: Alexis Bloom; Genere: documentario politico su Netanyahu attraverso alcuni video degli interrogatori della polizia con Benjamin Netanyahu, Ami Ayalon, Sheldon Adelson, Yair Lapid; Origine: Usa, 2024; Durata: 83 minuti; Distribuzione: Mescalito Film.
Uscita 30 settembre 2026.

DAL 1 OTTOBRE

BEAST – Regia: Tyler Atkins; Interpreti: Daniel MacPherson, Luke Hemsworth, Russell Crowe, Bren Foster, George Burgess, Brenton Thwaites, Mojean Aria, Kelly Gale, Nathan Phillips, Eliza Matengu, George Tilley, Amy Shark; Genere: Drammatico /Sport; Origine: Usa/ Australia, 2026; Durata: 114 minuti; Distribuzione: Plaion Pictures.

DIGGER – Regia: Alejandro G. Iñárritu; Interpreti: Tom Cruise, Jesse Plemons, John Goodman, Sandra Hüller, Michael Stuhlbarg, Sophie Wilde, Emma D’Arcy, Riz Ahmed, Pip Torrens, Corey Johnson, Cullen Moss, Joe Hurst; Genere: Commedia satirica; Origine: Usa/Gb/ Messico, 2026; Durata: 129 minuti; Distribuzione: Warner Bros Italia.

ERA MEGLIO DOMANI (C’était mieux demain) – Regia: Vinciane Millereau; Interpreti: Elsa Zylberstein, Didier Bourdon, Mathilde Le Borgne, Maxim Foster, Romain Cottard, Barbara Chanut, Céline Fuhrer, François Perache;  Genere: Commedia; Origine: Francia/ Belgio, 2026; Durata: 102 minuti; Distribuzione: Minerva, Filmclub Distribuzione.

HER PRIVATE HELL – Regia: Nicolas Winding Refn; Interpreti: Charles Melton, Sophie Thatcher, Dougray Scott, Diego Calva, Kristine Froseth, Havana Rose Liu, Shioli Kutsuna, Hidetoshi Nishijima; Genere: Thriller; Origine: Usa/ Danimarca, 2026; Durata: 109 minuti; Distribuzione: Mubi.

LA CITTÀ DEI VIVI – Regia: Edoardo Gabbriellini; Interpreti: Emanuele Maria Di Stefano, Gaia Merlonghi, Simona Senzacqua, Roberta Mattei, Valerio Mastandrea; Genere: Drammatico; Origine: Italia, 2026; Durata: 104 minuti; Distribuzione: Eagle Pictures.

MIO ZIO JENS (Onkel Jens) – Regia: Brwa Vahabpour; Interpreti: Theresa Frostad Eggesbø, Peiman Azizpour, Eirik Hallert, Marte Germaine Christensen, Sarah Francesca Brænne, Eivin Nilsen Salthe;  Genere: Commedia; Origine: Norvegia, 2025; Durata: 98 minuti; Distribuzione: Cineclub Internazionale.

ONSLAUGHT – ASSALTO FINALE (Onslaught) –  Regia: Adam Wingard; Interpreti: Adria Arjona, Dan Stevens, Drew Starkey, Rebecca Hall, Michael Biehn, Jacob Scipio, Reginald VelJohnson, Keil Oakley Zepernick, Jesse La Flair, Alex Pereira; Genere: Azione/Horror; Origine: Usa, 2026; Durata: 92 minuti; Distribuzione: I Wonder Pictures.

PHOTOGAME – AUTORITRATTO DI UN’OSSESSIONE – Regia: Alex Ruzzi; Interpreti: Stefano Pesce, Anne Consigny, Clara Ponsot, Elisa Visari, Riccardo Eggshell, Gloria Anselmi, Gian Sessarego, Leda Kreider, Sebastiano Farci, Erika Franceschini, Alice Lepidio, Danni Sampaio, Lígia Vieira; Genere: Thriller; Origine: Italia, 2026; Durata: 110 minuti; Distribuzione: L’Altrofilm.

QUASI VERA –  Regia: Fausto Brizzi; Interpreti: Frank Matano, Laura Chiatti, Andrea Perroni, Rocío Munoz Morales, Taylor Mega, Sergio Friscia, Federica Cifola, Francesco Sole; Genere: Commedia; Origine: Italia, 2026; Durata: 90 minuti; Distribuzione: Medusa.

UN PO’ DI LUCE  (A Bit of Light/Kami Nour) – Regia: Ali Asgari; Interpreti: Misagh Zareh, Sadaf Asgari, Forouzan Jamshidnejad, Ramtin Daghigh, Mina Rahimzadeh; Genere: Drammatico; Origine: Iran /Svizzera /Italia /Canada/ Turchia, 2026; Durata: 87 minuti; Distribuzione: Teodora Film.

VERITY  – Regia: Michael Showalter; Interpreti: Josh Hartnett, Anne Hathaway, Dakota Johnson, Ismael Cruz Cordova, Michael Abbott Jr., Lou Martini Jr., Asel Swango, Daniel Echevarria; Genere: Drammatico; Origine: Usa, 2026; Durata: 114 minuti; Distribuzione: Eagle Pictures.

Coward.  Voto ***  Alla terza partecipazione consecutiva, quattro anni l’uno dall’altro, al Festival di Cannes  dopo Girl (Caméra d’or, 2018) e Close (Grand Prix Speciale della Giuria, 202 2), il belga Lukas Dhont ha vinto questa volta – non c’è 2 senza 3 – il Premio dell’interpretazione maschile per la performance dei due protagonisti, Emmanuel Macchia e Valentin Campagne. Un film spiazzante e di ambiziosa produzione, per narrare, tra passione e morte, durante la I° Guerra mondiale, una storia d’amore impossibile in tempi di pace dell’epoca.

Confesso che sono uscito spiazzato (ma anche a tratti ammirato) da Coward, la terza opera del bravo regista belga Lukas Dhont, una pellicola che in ogni caso non lascia indifferenti – in modo positivo ma anche negativo. Comincia – faccio i primi esempi che mi passano per la testa – come un film sull’orrore delle trincee e della Prima guerra mondiale tipo classici alla Niente di nuovo sul fronte Occidentale di Lewis Milestone (con il suo recente e fortunato remake di Edwar Berger) o a Orizzonti di Gloria di Stanley Kubrick, e finisce in una travolgente, inconsueta storia d’amore gay alla Estranei (All of us strangers) di Andrew Haigh (ma l’esempio potrebbe non essere calzante).

1916 all’apice della I° Guerra mondiale. Nelle retrovie del fronte conosciamo una recluta belga, Pierre (interpretato dall’esordiente Emmanuel Macchia), un giovane, aitante contadino deciso a mettersi alla prima vera prova della sua vita, sul campo di battaglia. Prima l’addestramento poi la pericolosa vita di trincea gli impongono di confrontarsi con i compagni di guerra e con le proprie paure, tra slanci di coraggio e momenti di terrore – in ogni caso, presto la cruda, spietata realtà del Fronte mette in forse le sue iniziali ingenue convinzioni ed entusiasmi bellici.

Il punto di svolta è quando impara, piano piano, a conoscere, il magnetico personaggio artistoide di Francis (Valentin Campagne), il figlio di un sarto, esile e mingherlino ma genialmente vulcanico, che è a capo di una compagnia teatrale chiamata “La Bande des Rebuts”.

Il gruppo composto da membri ai margini della guerra a causa di ferite o non-idoneità intrattiene le truppe mettendo in scena delle rappresentazioni con qualsiasi risorsa a disposizione, degli spettacoli di varietà en travesti molto osé, forse anche troppo per l’epoca e l’ambiente militare (ma sembra che Dhont si sia adeguatamente documentato a riguardo). Sono una piccola oasi di intrattenimento per le truppe nei momenti di pausa dai combattimenti, che infondono ilarità e distensione nel caos distruttivo della vita quotidiana nel pieno di una guerra feroce.

In ogni caso, la partecipazione alle performance e soprattutto la frequentazione sempre più stretta con Francis, apre a Pierre le porte, assolutamente nuove, di un universo che fino a quel momento non conosceva, lontano dai pericoli quotidiani delle trincee da cui scappa volontariamente. Coward , il titolo del film, quindi un codardo? Forse sì, anzi no, comunque sinceramente scosso da dei sentimenti profondi e quasi incontrollabili, nel mezzo delle fiamme distruttive delle brutalità della guerra combattuta.

Il ragazzo comincia, così, a provare amore e un’attrazione erotica sempre maggiore mano mano che la frequentazione con il commilitone diventa sempre più intima e coinvolgente dal punto di vista emotivo soprattutto per chi come lui non aveva mai provato l’esperienza di una “cotta”. Sino al punto di…e qui ci fermiamo.

Con questo suo terzo lungometraggio, Coward, Lukas Dhont firma un’opera di grande potenza emotiva, chiudendo idealmente una trilogia dedicata alla fragilità dell’identità e del corpo maschile già iniziata con i suoi due film precedenti, Girl e Close, intitolati, come questo, da una sola parola chiave.

Immerso nell’inferno bellico tra fango, sangue e distruzione, Coward segue dunque il tormentato percorso del protagonista Pierre e il suo incontro con il carismatico deuteragonista Francis nelle zone franche create dagli spettacolini suddetti. Essendo questo l’autentico centro del film, Dhont decide, in modo conseguente, di non concentrarsi sulle dinamiche visive e spettacolari delle battaglie, focalizzando l’occhio della sua mdp, invece, sullo strazio della carne, sui dettagli dei volti, sulla sofferenza dei feriti ma anche sulla straordinaria forza catartica dell’arte quale via di fuga e di resistenza alla brutalità del mondo.

Così la narrazione in Coward  crea ul piano visivo – ottima la fotografia di Frank van den Eeden – un contrasto fra il buio opprimente e claustrofobico delle trincee e della guerra e il  luminoso chiarore degli spettacoli sugli improvvisati palcoscenici – una forma simbolica molto efficace per far collidere e convivere la vitalità disperata della giovinezza e la costante onnipresenza della morte.

Il titolo stesso del film, Coward appunto, si interroga e interroga lo spettatore che senso abbia la parola all’interno di un sistema bellico che esige ferocia e totale annullamento della personalità, dimostrando come la vera forma di coraggio risieda, invece, nell’affermare la propria umanità e i propri sentimenti in un contesto progettato per distruggerli.

A sorreggere l’architettura melodrammatica del film – per altro inanellato da alcune forti e prolungate scene erotiche – sono soprattutto le convincenti, simbiotiche interpretazioni dei due protagonisti che hanno valso ad entrambi la Palma cannense per la Migliore interpretazione maschile. Quello che in Coward , invece, convince di meno (come è avvenuto per il sottoscritto), è la parte conclusiva e l’epilogo a guerra finita del film che, dopo aver tratteggiato una vicenda dura e spigolosa, si chiude in una chiave e in una forma quasi idealizzante e un po’ “buonista”.

Tuttavia, anche se alla fine si può restare perplessi – come dicevo all’inizio – Coward rimane, comunque, per larghi tratti, un notevole affresco antimilitarista, un’opera a tratti lirica e struggente che probabilmente cresce a posteriori, il giorno dopo, nella memoria e che quindi sentiamo di consigliare. La valutazione iniziale quindi potrebbe anche aumentare di mezza stella in più… (per quello che valgono questi giudizi sintetici). Uscirà con e su Mubi.

Coward – Regia: Lukas Dhont;  sceneggiatura: Lukas Dhont, Angelo Tijssens; fotografia: Frank van den Eeden; montaggio: Alain Dessauvage; effetti speciali: Stefan Rycken; musica: Valentin Hadjadj; scenografia: Eve Martin; interpreti: Emmanuel Macchia, Valentin Campagne, Jonas Wertz, Boris Bouchat, Mathieu Carpentier, Anaëlle Fournier, Mistral Guidotti, Jef Jacobs, Emil Krastev, Tijmen Van Damme, Orlando Vauthier, Tuur Verelst, Willem De Schryver; produzione: Michiel Dhont per The Reunion, Lumen, Topkapi Films, Versus Productions, France 2 Cinéma, Ciné+ OCS, VTM, RTBF, Proximus, BeTV, Orange; origine: Belgio/Francia/ Olanda, 2026; durata: 120 minuti; distribuzione: Mubi.

Le nuove uscite dal 7 al 20 settembre 2026.

FERRARI 250 GTO – L’AUTO DI MAURO FORGHIERI CHE SALVÒ MARANELLO (Ferrari – Fury and the Monster) – Regia: Steve Hoover; Genere: Documentario sulla storia della celebre Casa del cavallino rampante; Origine: Usa, 2024; Durata: 80 minuti; Distribuzione: Adler Entertainment.
Uscita 7 settembre 2026.

PAW PATROL – MISSIONE DINOSAURI  (Paw Patrol: The Dino Movie) Regia: Cal Brunker; Genere: Animazione, terzo capitolo della omonima saga; Origine: Usa, 2026; Durata: 89 minuti; Distribuzione: Eagle Pictures.
Uscita 9 settembre 2026.

DAL 10 SETTEMBRE

AMORI E INCANTESIMI 2  (Practical Magic 2) – Regia: Susanne Bier;  Interpreti: Nicole Kidman, Sandra Bullock, Stockard Channing, Dianne Wiest, Joey King, Maisie Williams, Lee Pace; Genere: Commedia; Origine: Usa, 2026; Durata: 110 minuti; Distribuzione: Warner Bros Italia.

AUBER 89 – Regia: Giuseppe Schillaci; Genere: Documentario; Origine: Italia, 2026; Durata: 79 minuti; Distribuzione: Revolver, Valtellina.

MUTINY – Regia: Jean-François Richet;  Interpreti: Jason Statham, Annabelle Wallis, Ramon Tikaram, Adrian Lester, Arnas Fedaravicius, Roland Møller, Jason Wong, Lee Charles, Steven Blades, Chaneil Kular, Tom  Christian;    Genere: Thriller; Origine: Gb/Usa, 2026; Durata: 95 minuti; Distribuzione: Eagle Pictures.

OASIS – DON’T LOOK BACK IN ANGER – Regia: Will Lovelace, Dylan Southern; Genere: Documentario musicale sulla celebre band inglese; Origine: Gb, 2026; Durata: 115 minuti; Distribuzione: Walt Disney.

PALESTINA 36 – QUANDO TUTTO EBBE INIZIO (Palestine 36) – Regia: Anne-Marie Jacir;  Interpreti: Jeremy Irons, Liam Cunningham, Billy Howle, Robert Aramayo, Hiam Abbass, Christopher Villiers, Sam Hoare, Yumna Marwan, Yasmine Al Massri, Saleh Bakri, Dhaffer L’Abidine, Sofia Asir, Adam Lawrence;    Genere: Drammatico/Storico; Origine: Palestina/ Gb/ Qatar/ Francia, 2026; Durata: 118 minuti; Distribuzione: Wanted Cinema.

SERPENTI – Regia: Roberto De Paolis;  Interpreti: Leonardo Lidi, Alessandro Borghi, Pietro Castellitto, Valeria Golino; Genere: Drammatico; Origine: Italia, 2026; Durata: 106 minuti; Distribuzione: Be Water, Europictures.

SPEZIE E BUGIE – LA PICCOLA CUCINA DI MEHDI (La Petite Cuisine de Mehdi) – Regia: Amine Adjina; Interpreti: Younès Boucif, Clara Bretheau, Hiam Abbass, Gustave Kervern, Birane Ba, Laurent Stocker, Malika Zerrouk; Genere: Commedia; origine: Francia, 2025; durata: 104 minuti; distribuzione: Academy Two.

THE ECHO CHAMBER – Regia: Andrea Pallaoro;  Interpreti: Alicia Vikander, Susan Sarandon, Luca Marinelli, Ann Akin; Genere: Drammatico; Origine: Italia, 2026; Durata: 120 minuti; Distribuzione: 01 Distribution.

UN MONDO MERAVIGLIOSO (Un monde merveilleux) – Regia: Giulio Callegari; Interpreti: Blanche Gardin, Laly Mercier, Angélique Flaugère, Édouard Sulpice, Georgia Scalliet, Xavier Lacaille, Jérémy Sanagheal, Naëlle Dariya, Delphine Baril; Genere: Commedia; Origine: Francia, 2026; Durata: 78 minuti; Distribuzione: Wanted Cinema.

Le nuove uscite dal 14 al 20 settembre 2026.

ASSASSINATION CLASSROOM – L’ORA DI TUTTI NOI (Gekijô-ban Ansatsu Kyôshitsu Minna no Jikan ) – Regia: Masaki Kitamura;  Genere:  Animazione/Anime; Origine: Giappone, 2026; Durata: 90 minuti; Distribuzione: Eagle Pictures.
Uscita il 14-15-16 settembre 2026.

YES (Ken) – Regia: Nadav Lapid; interpreti: Ariel Bronz, Efrat Dor, Naama Preis, Alexey Serebryakov, Sharon Alexander; Genere: Drammatico; Origine: Germania/ Francia/ Israele/Cipro, 2025; durata: 159 minuti; distribuzione: Wanted Cinema.
Uscita il 14-15-16 settembre 2026.

WITH HASAN IN GAZA – Regia: Kamal Aljafari; suono: Kamal Aljafari, Jochen Jezussek; Genere: Documentario politico; Origine: Germania/Palestina/ Francia/ Qatar, 2025; Durata: 106 minuti; Distribuzione: OpenDDB..
Uscita 14 settembre 2026

THE INVITE – IL PIACERE È TUTTO NOSTRO (The Invite) – Regia: Olivia Wilde;  Interpreti: Seth Rogen, Olivia Wilde, Penélope Cruz, Edward Norton; Genere: Commedia;  Origine: USA, 2026; Durata: 107 minuti; Distribuzione: I Wonder Pictures.
Uscita 16 settembre 2026

DAL 17 Settembre

CALLE MALAGA – Regia: Maryam Touzani; Interpreti: Carmen Maura, Marta Etura, Ahmed Boulane, Maria Alfonsa Rosso, Miguel Garcés, La Imèn as Soukaina; Genere: Drammatico; Origine: Marocco/Spagna, 2025; Durata: 116 minuti; Distribuzione: Movies Inspired..

CARS – MOTORI RUGGENTI (Cars) – Regia: John Lasseter; Genere: Animazione, primo film della Pixar dopo l’acquisizione dalla Walt Disney Company, grande successo commerciale all’epoca; Origine: Usa, 2006; Durata: 112 minuti; Distribuzione: Walt Disney.

DOV’È LA FIESTA? – Regia: Niccolò Gentili;  Interpreti:  Francesco Carril, Linda Caridi, Sergio Pierattini, Paola Michelini, Niccolò Gentili, Lorenzo Balducci, Valentino Campitelli, Cristiano Caccamo, Giorgio Tirabassi; Genere: Commedia; Origine: Italia, 2026; Durata: 106 minuti; Distribuzione: Vision Distribution.

I FIGLI DELLA SCIMMIA – Regia: Tommaso Landucci;  Interpreti:  Riccardo Scamarcio, Fausto Russo Alesi, Lidiya Liberman, Andrea Aggio, Tancredi Naldini, Cristina Odasso, Luigi Diberti; Genere: Drammatico; Origine: Italia, 2026; Durata: 110 minuti; Distribuzione: Medusa.

NORMAL – Regia: Ben Wheatley;  Interpreti: Bob Odenkirk, Henry Winkler, Lena Headey, Ryan Allen, Billy MacLellan, Reena Jolly, Brendan Fletcher, Peter Shinkoda, Jess McLeod, Dan De Jaeger, John C. MacDonald, Derek Barnes, Bradley Sawatzky, Lauren Cochrane;   Genere: Azione/Western; Origine: Canada/Usa, 2026; Durata: 91 minuti; Distribuzione: Vertice360.

RESIDENT EVIL –  Regia: Zach Cregger;  Interpreti:  Austin Abrams, Zach Cherry, Kali Reis, Paul Walter Hauser, Johnno Wilson;   Genere: Sf/ Horror; Origine: Usa/Germania, 2026; Durata: 95 minuti; Distribuzione: Sony Pictures.

RITORNO A BUENOS AIRES – Regia: Marco Bechis;  Interpreti: Adriano Giannini, Paula Cohen, Ana Celentano, Vero Gerez, Olivia Nuss, Adrian Fondari, Marcelo Chaparro, Marcela Serli, Maria Laila Fernandez; Genere: Drammatico; Origine: Italia, 2026; Durata: 104 minuti; Distribuzione: Fandango.

Succederà questa notte. Voto ***. Abbandonata la satira politica, nella sua opera più recente, in Concorso sulla Laguna, Nanni Moretti ci narra, a partire dai racconti di Eshkol Nevo ,una favola d’amore sostanzialmente ottimistica, con relazioni e tradimenti, sentimenti feriti e sesso, conflitti tra genitori e figli e tanto altro ancora. Un film altalenante, spesso riuscito ma altre volte di meno. 

Subito una premessa metodologica: personalmente, a differenza di alcuni miei colleghi critici, non sono molto interessato alle differenze-similitudini-ecc. tra un film e un testo letterario originale che viene adattato per il cinema – ciò resta, per me, più materia da saggio universitario. Quello che vale – a mio modesto avviso – è se un’opera cinematografica funziona o meno sullo schermo, a prescindere da quanto sia (in)fedele al materiale di base. Punto e accapo.

Come Tre piani, anche questo ultimo lavoro di Nanni Moretti nasce – cosa nota – da un adattamento di un testo dello scrittore israeliano Eshkol Nevo, dalla cui raccolta di racconti (venti), Legami (Feltrinelli, 2024), i tre sceneggiatori (Moretti con Federica Pontremoli e Valia Santella) hanno assemblato la storia che Succederà questa notte ci vuole raccontare.

Il nuovo film di Moretti si srotola, a tratti faticosamente, in un arco temporale piuttosto lungo, più o meno diciassette anni con diversi salti temporali, alcuni impliciti, altri  (sette + sette + tre anni esplicitati da dei cartelli. Ora per entrare immediatamente nel vivo di Succederà questa notte, diciamo che si parla appunto di legami affettivi (come nel libro) e di come si modificano nel tempo e nelle varie situazioni. Con al centro la storia di una grande passione.

Tra relazioni e tradimenti, sentimenti feriti e sesso, genitori e figli, tanti incontri e altrettanti abbandoni, la trama di Succederà questa notte  – un titolo alla Frank Capra – è particolarmente complessa e ricca di detour tra Oslo, l’India, San Sebastian e ovviamente Roma, filmata però in modo abbastanza anonimo e comunque, mi sembra, non in Prati, nel quartiere prediletto di Nanni Moretti.

Al cuore della narrazione appartiene la complessa storia d’amore tra un’attrice non particolarmente fortunata, Greta (Jasmine Trinca) e Matteo (Louis Garrel): lui dopo aver fatto un figlio viene lasciato all’inizio del film dalla moglie norvegese e ha un padre malato (Hippolyte Girardot) che muore in volo dopo averlo portato ad un Concerto di Bruce Springsteen (che si vede realmente esibirsi in tour); lei dopo diverso tergiversare decide infine di sposare un uomo d’affari che evidentemente le dà sicurezza economica e stabilità relazionale ma evidentemente, trai due, manca della vera passione.

La prima scintilla di un fuoco devastante si accende quando Greta proprio il giorno del suo matrimonio irrompe di colpo in un campo da tennis attiguo alla cerimonia di nozze e inizia per scherzo un partita a tennis (di cui vince un set) con Matteo subito stregato dal suo sorriso. Ma poi quando lui, incantato, passa alla festa e vorrebbe dirle qualcosa – Greta sta, però, ballando con il marito – non può farlo e così il protagonista rinuncia, perdendo la sua prima chance. Ma, nel corso del film, ne avrà una seconda, questa volta vincente…

Segue un tiremmolla tra le due coppie male assortite  – Matteo, nel frattempo, gestisce una libreria, si è risposato e si barcamena con la sua donna che non ama più – mentre imperversano e si moltiplicano i problemi generazionali con i vari figli. Sino alle inevitabili decisioni conclusive da parte di tutte i personaggi in campo.

Come si è già capito, in Succederà questa notte, Moretti abbandona la consueta satira politica, per esempio, del recente Il sol dell’avvenire, per volgere a sondare l’inesorabilità profonda dei sentimenti umani.

«A guidare i personaggi – ha dichiarato il regista – c’è il desiderio di una nuova occasione, c’è la volontà di credere nel fatto che la vita ci offra sempre un’altra possibilità, che ci sia sempre un tempo in cui le cose possano ancora accadere. Che arrivi sempre il momento in cui succederà».

Con questa sua ultima opera, Moretti, pur mantenendo gli stilemi ricorrenti a cui ci ha abituato, da anni, nella sua filmografia (ad esempio i balletti improvvisi, questa volta su She’s a Rainbow dei Rolling Stones; le scene di dialogo in automobile, ecc.) si volge ad esplorare terreni nuovi in Succederà questa notte, una sorta di favola d’amore, sostanzialmente ottimista, dove i due protagonisti si scontrano con le spigolosità e le difficoltà della vita personale e familiare.

A mio avviso, Succederà questa notte è un’opera altalenante, “a corrente alternata” in cui a momenti e sequenze più felici (tutta la seconda parte, a nostro sindacabile giudizio) ne seguono altri meno riusciti, come l’inizio che stenta a decollare. Tra gli aspetti più positivi del film che contiene e riversa nel contenuto anche una certa sapienza maturata dall’età, dobbiamo segnalare l’interpretazione di Louis Garrel che a tratti ricorda lo stesso Moretti, attore giovane soprattutto nelle sequenze in moto.

Ma anche il resto del cast se la gioca abbastanza bene da Jasmine Trinca a Hippolyte Girardot (in un cameo ultralungo), da Angela Finocchiaro madre abbastanza ossessiva di Matteo a  Melina Åkerman e Elena Lietti le due mogli del protagonista. Non lo annovererei tra le opere a me più care di Nanni Moretti e probabilmente dividerà la critica ma forse meno il suo fedele pubblico.

Uscita in sala, a quanto pare, in prossimità di Natale quando ne torneremo a parlare per un possibile approfondimento.

Succederà questa notte – Regia: Nanni Moretti; sceneggiatura: Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella dalla raccolta di racconti Legami di Eshkol Nevo;  fotografia: Francesco Di Giacomo; montaggio: Clelio Benevento; effetti visivi: Chromatica; musica: Alberto Iglesias; scenografia: Alessandro Vannucci; interpreti: Louis Garrel, Jasmine Trinca, Hippolyte Girardot, Angela Finocchiaro, Melina Åkerman, Elena Lietti, Andrea Lattanzi, Antonio De Matteo, Nanni Moretti; produzione: Sacher Film (Nanni Moretti), Fandango (Domenico Procacci, Laura Paolucci), Rai Cinema (Paolo Del Brocco), Bteam Prods (Alexandre Lafuente Aguilar, Cami Can Biosca), Irusoin (Fernando Larrondo), IWHT Film (Fernando Larrondo), Pan Cinema (Philippe Godeau, Nathalie Gastaldo Godeau, Camille Gentet); origine: Italia/Francia/Spagna, 2026; durata: 103 minuti; distribuzione: 01 Distribution.

Scherzetto. Voto ***(*). 

“Dolcetto o scherzetto” vorrebbe subito da chiedersi difronte al titolo dell’ultimo film di Mario Martone e risponderei subito “entrambi”. Perché Scherzetto è un film dolce-amaro, piccolo se si vuole, ma per me uno dei più intensi e significativi tra le ultime opere dell’autore napoletano che ritorna al grande schermo dopo il drammatico Fuori presentato l’anno scorso al Festival di Cannes.

Una lunga, molto lunga panoramica, senza che scorrano i titoli di testa, ci descrive un caseggiato popolare a Napoli, introducendo questo Scherzetto – alla fine della quale ci troviamo in una casa all’ultimo piano con un bel balcone.

Li conosciamo i due protagonisti di questa storia narrata da Domenico Starnone nel suo omonimo romanzo di cui il regista napoletano – come ha dichiarato si è innamorato «a cominciare dal titolo. Due personaggi agli estremi della vita, una situazione familiare spesso comica, un unico ambiente, e dei fantasmi. Ma lavorando al film si sono affacciati anche i miei, di fantasmi, difficili da tenere a bada, e ho cominciato a inseguirli con la macchina da presa.

Anche per Toni Servillo non credo si sia trattato solo di interpretare un ruolo, è stata un’immersione in un campo incognito, quello dominato dalla presenza di un bambino di cinque anni che ogni giorno avrebbe potuto dirci: “Basta, mi sono stufato” (è anche successo!). Bene, alla fine l’abbiamo fatto, ora tutto sembra così leggero. Sembra».

A parte una uscita e iniziale esplorativa nel quartiere intorno al caseggiato, Scherzetto è praticamente un Kammerspiel teatrale a due personaggi, in cui aleggia tanta cultura napoletana a partire da Edoardo De Filippo.

Richiamato da Milano dove viveva, per tornare per tre giorni a Napoli, nella casa di famiglia, a guardare il nipote della figlia Betta (Serena Rossi), il settantenne Daniele Mallarico (Toni Servillo) è un noto illustratore e sta lavorando a delle tavole per un libro ispirato a L’angolo bello di Henry James. Ormai vedovo, continua indefesso la sua attività anche se i suoi committenti gli chiedono – lo vediamo in una sequenza al telefono – qualcosa di meno scuro con più “ossigeno” nelle sue immagini (e chissà se in ciò c’è magari un riferimento ai fantasmi dello stesso Mario Martone).

Il nipotino saputello si chiama Mario, cinque anni, una piccola peste che parla come un libro stampato, conosce tutto, sa fare tutto, spiega ogni cosa. I suoi genitori sono, giustamente, orgogliosissimi di lui. È stata la figlia – come si diceva – a richiamare il padre a Napoli, per tenere il ragazzino mentre lei e il marito, Saverio, devono partire per un convegno. E così tra quattro mura e un balcone, si consuma un vero e proprio duello che porterà Daniele a confrontarsi con i propri spettri, con i cadaveri nell’armadio….

In un’opera intima e  quasi crepuscolare, Mario Martone trasforma un appartamento in un palcoscenico per mettere in scena un ambizioso scontro generazionale ed esistenziale. Il protagonista Daniele Mallarico è un illustratore al tramonto della propria parabola vitale e artistica, in cui coesistono in vario grado stanchezza, orgoglio e molta malinconia. Così per lui il ritorno a Napoli si trasforma rapidamente in un viaggio quasi claustrofobico nei meandri della memoria e del rimpianto, tra un labirinto di specchi nel quale il passato fluttua per le stanze dell’appartamento avito e il presente irrompe con la vitalità anarchica e quasi spietata dell’infanzia giocosa e sfrontata. In un corpo a corpo intenso e prolungato.

C’è subito da aggiungere che il gran merito di Scherzetto e della regia di Martone sta soprattutto nel fatto che il confronto tra l’anziano artista e il bambino non scivola mai nel patetico né nel sentimentalismo, ma conserva, sempre o quasi, una certa durezza e a tratti anche una qualche ironia. Si tratta di uno showdown, come si diceva, dove il piccolo Mario agisce come un catalizzatore di verità, costringendo il nonno a fare i conti con la propria decadenza fisica e creativa. E così chiuso fuori sul balcone, per caso, Daniele un po’ si dispera mentre la pioggia batte nella notte a catinelle.

Con uno stile rigoroso ed elegante, Martone è abile nel far dialogare la dimensione teatrale degli interni con i rari squarci sul paesaggio urbano della città, mentre la fotografia di Paolo Carnera riesce a valorizzare i vari chiaroscuri di un (piccolo) dramma psicologico, teso e geometrico.

Senza eccedere in seriosità e facendo propria la formidabile lezione del grande Edoardo, Scherzetto si rivela allora una riflessione intensa e a tratti dolorosa sul tempo che passa, sulla trasmissione della memoria e sull’inevitabile scontro tra le generazioni, confermando così la capacità di Martone di scavare nell’anima dei suoi personaggi. Grazie anche l’interpretazione sentita e poco convenzionale di Toni Servillo sfidato e provocato da una piccola peste, bravissima, di nome Lorenzo Perrotta.

Insomma, il film ci è piaciuto e non la consideriamo come forse altri colleghi faranno, un’opera minore all’interno della lunga carriera del bravo regista napoletano. Scherzetto e per altri versi Il fuoco che ti porti dentro di Edoardo De Angelis ci confermano, ancora una volta, quanto la cosiddetta “scuola napoletana” resta viva e molto vitale per il cinema del nostro paese.

Scherzetto – Regia: Mario Martone; sceneggiatura: Mario Martone, Ippolita di Majo dall’omonimo romanzo di Domenico Starnone;  fotografia: Paolo Carnera; montaggio: Jacopo Quadri; effetti visivi: EDI – Effetti Digitali Italiani; musica: Valerio Vigliar; scenografia: Carmine Guarino; interpreti: Toni Servillo, Lorenzo Perrotta, Serena Rossi, Leonardo Lidi, Giovanni Ludeno, Gianluca Di Gennaro; produzione: MAD Entertainment (Maria Carolina Terzi, Carlo, Lorenza e Luciano Stella, Mauro Luchetti) con Rai Cinema in associazione con EDI Effetti Digitali Italiani (Francesco Grisi, Giorgia Priolo), Picomedia (Roberto Sessa); origine: Italia, 2026; durata: 105 minuti; distribuzione: 01 Distribution.